映画関係者・著名人の皆さんにホラー映画のオールタイムベスト3作品をうかがっていく『ホラー通信』恒例企画です。

今回は、『フランキー・フリーコ』『デスストーカー』が同時公開中のスティーヴン・コスタンスキ監督にお伺いしました。コスタンスキ監督初のパペット映画『フランキー・フリーコ』の取材時に伺ったため、パペット・ホラーもセレクトしてくれています。

人生のホラー映画ベスト３　スティーヴン・コスタンスキ編

・『遊星からの物体Ｘ』(1982)　監督：ジョン・カーペンター
・『CURE』(1997)　監督：黒沢清
・『グレムリン』(1984)　監督：ジョー・ダンテ

＜コメント＞
ジョン・カーペンターの『遊星からの物体Ｘ』は大好きですね。クリーチャーの特殊効果が素晴らしくて、登場人物たちも魅力的。僕たちが『ザ・ヴォイド 変異世界』を作っていたとき、恐ろしいモンスター映画の参考として何度も繰り返して観ていましたね。モンスター映画って安っぽくてちょっと馬鹿げたものが多いんですが、あの映画は本当に恐ろしい。尊敬せずにはいられません。

『CURE』も大好き。怖さという点ではトップに挙げたいくらいです。『遊星からの物体Ｘ』とは正反対で、何が起こっているのかを目で見ることは出来ない。視界の外側でいろんなことが起きていて、それがすごく不気味だったんです。あの映画の雰囲気は、『サイレントヒル』にちょっと似ている気もしますね。

パペット映画から選ぶなら、『グレムリン』かな。厳密にはホラーではないけど、僕はなんとも言っても映画にいろんな要素が詰まっているのが好きですからね！　たくさんのクリーチャーが出てきて、特殊効果も満載で、ちょっとやりすぎなくらいだけど、そういうところが本当に大好きなんです。独創的で奇抜で、僕にとってはパペット映画の最高峰ですね。

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実在した連続殺人鬼を描く、非情な映画３本が連続公開されることが決定した。まず、アメリカ製作の『ヘンリー』(86)が８月28日(金)よりリバイバル公開。その後、日本初上陸となる『エヴィレンコ』(03)、初4K化の『アングスト／不安 4K』(83)が立て続けに公開される。

『ヘンリー』は、70年代後半～80年代にかけて全米で300人以上を殺害したと云われる連続殺人鬼、ヘンリー・リー・ルーカスの日常を淡々と描いた犯罪スリラー。完成後、そのあまりに冷徹な内容に出資会社が驚愕、数年間御蔵入りとなっていた逸話を持つ。監督・脚本はジョン・マクノートン 、ヘンリーを演じるのはマイケル・ルーカー。

秋に公開予定の『エヴィレンコ』(03)は、50人以上を殺害したソ連時代最大の連続殺人犯アンドレイ・チカチーロをマルコム・マクダウェルが演じた一作。日本では一切パッケージ販売されておらず、完全初上陸・日本劇場初公開となる。さらに、続けて公開される『アングスト／不安 4K』(83)は、オーストリアで一家惨殺事件を起こしたヴェルナー・クニーセクをアーウィン・レダーが演じたもの。日本では2020年に劇場初公開され、異例の大ヒットを記録。今回の上映は4Kレストア版となる。

３作品のティザーポスターが同時解禁。それぞれ劇中の重要なシーンを切り取り、「これが彼のやったこと。」というシンプル且つ絶望的なコピーが添えられている。

『ヘンリー』
8月28日(金)よりシネマート新宿ほか全国順次公開

『エヴィレンコ』『アングスト／不安 4K』
秋公開

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とんでもないことが起こります。

墜落飛行機×サメの異色スリラー『エア・ロック 海底緊急避難所』のクラウディオ・ファエ監督最新作、上空でドロ沼男女が狂乱状態に陥る熱気球サバイバル映画『タービュランス 絶空16,000フィート』が公開中。彼らが完全に“詰む”瞬間を捉えた本編映像をご紹介する。

リッチな敏腕CEOのザック（ジェレミー・アーヴァイン）と心優しく穏やかなエミー（ヘラ・ヒルマー）は理想的な夫婦だ。旅行に出掛けた二人は、イタリアのドロミーティ山脈を熱気球で横断するツアーに参加。そこへ、謎めいた女性ジュリア（オルガ・キュリレンコ）も乗り込んでくる。３人と操縦士を乗せた熱気球はグングン上空へ……。そう簡単には降りられない高度へ到達すると、ジュリアは突如ザックの不貞を暴露。ナイフを手にザックを脅しはじめ、ゴンドラ内は壮絶な修羅場と化す……。

映像はそこから先、更なる“詰み”状態に陥る彼らを切り取っている。修羅場の末ｍジュリアは大火傷を負って（理由は本編を観てね！）倒れ込んでいた。一方、修羅場に無関係の不憫なベテラン操縦士は、気球の高度を下げようと奮闘している。ロープを引かなければならないが、なかなか上手くいかない……。ようやく成功したその瞬間、パニック状態に陥ったジュリアがとんでもないことをしでかし……。高所と血が苦手な方は閲覧注意。

あ～あ、完全に終わったわ。

ドロ沼男女と熱気球の行く末は劇場でお確かめを。

『タービュランス 絶空16,000フィート』
７月10日(金) TOHOシネマズ日比谷ほか全国公開

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人気YouTuberという経歴を持つ双子の気鋭監督ダニー＆マイケル・フィリッポウ。現代的降霊会ホラー『TALK TO ME／トーク・トゥ・ミー』(2022)で鮮烈なデビューを飾った彼らの、長編２作目となる『ブリング・ハー・バック』がいよいよ公開だ。

本作では、父を亡くしたティーンエイジャーの兄妹が、里親のもとで味わう思いもよらぬ恐怖が描かれる。兄のアンディは、里親ローラのどこか不自然な振る舞いや、同居する謎の少年オリバーの存在に警戒心を抱く。一方ローラはそんな彼の態度に気付きつつも、ある“儀式”の準備を進めていた……。

優しさの奥に底知れぬ恐ろしさを秘めた里親ローラを演じるのは、『シェイプ・オブ・ウォーター』のサリー・ホーキンス。妹想いで繊細な兄アンディを演じるのは、国際エミー賞男優部門を最年少で受賞した経験のあるビリー・バラット。視覚障害を持つ妹パイパーを、自身も視覚障害者で演技初経験となるソラ・ウォンが演じている。

監督のお二人にインタビューを敢行。本作と前作との共通点や、サリー・ホーキンスの驚異的な役作り、必ず脳裏に焼き付くであろう“ナイフのシーン”の裏側などについて語ってもらった。

――『トーク・トゥ・ミー』に続いて、“死者との再会”や、そのための“儀式”といった要素が登場しますね。異なるアプローチでそれらを掘り下げようとしていたのでしょうか？

ダニー：そうそう。『トーク・トゥ・ミー』と『ブリング・ハー・バック』は同時に制作を進めていたんです。それでたくさんの共通点があって、それぞれが同じテーマを異なる角度からより深く掘り下げる形になった。そのとき僕たちが何を経験していたかが作品全体に色濃く反映されているんです。『トーク・トゥ・ミー』のときにも、『ブリング・ハー・バック』のときにも、大切な人を亡くす経験をした。結局のところ、どんな話を書くにしても、その時の自分の状況や経験というものが自然と脚本に滲み出てくるものなんだと思う。

――二作目の長編映画となりますが、前作での経験を踏まえて、クリエイティブ面でどんなことを意識していたのでしょうか？

マイケル：『トーク・トゥ・ミー』はすごくいい経験になったんだよね。サウンドミックスについてたくさんのことを学べたから、それを今回の映画に取り入れたかった。ドルビーアトモスなら、音をサラウンドに配置したり、天井に配置したりできるんですよ。今回の作品は円形のモチーフがキーになっているけど、サウンドデザインでもそれを表現しているんです。人々の周りを音がぐるぐると回り、天井から雨が降ってくるようにしたから、観客はまるで上から雨が降り注いでくるような感覚を味わえると思う。

ダニー：音楽についても、『トーク・トゥ・ミー』では選曲が後回しになっていて、本当にギリギリのところまで持ち越してしまっていた。だから『ブリング・ハー・バック』では最終草案を書いている最中に音楽の作曲を進めていたんです。完成した映画ではなく、脚本に基づいて音楽を作るという点も今回の重要なポイントになったと思う。

信頼できない“大人”の怖さ

――里親のローラは明るく愛情深く見える人物でありながら、ゾッとするような無神経さや攻撃性を秘めています。彼女のキャラクター造形においてヒントになったものはありますか？　この人物像をどのように掘り下げていったのでしょうか。

ダニー：子供の頃に経験したことがベースになっているんです。大人や保護者であるはずの人物が、善意とは言い難い意図を抱いているのに気付くことがあって。そういうとき、子供はちょっと微妙な立場に置かれることになるよね。パイパーやアンディも同じなんです。大人の言うことを聞くべきなんだけれど、その相手には裏の意図がある。それは本当に恐ろしいことだと思う。だからこそ、この映画のテーマとしてしっくりきたし、ぜひとも掘り下げてみたかったんです。

マイケル：ローラは、悲劇が起こる前は愛情深い素敵な人だったんですよ。彼女は児童心理学者として学んだスキルがある。それを、子供を精神的に追い詰めて“壊す”ために使っているんです。アンディという人間を内側から崩していくために、そのスキルを悪用しているんですよね。

――ローラを演じたサリー・ホーキンスの怪演は凄まじかったですね。彼女はどのように役作りをしていたんでしょうか？

ダニー：もう～すごかったよ！(笑)　彼女はずっとローラになりきっていて、セットではローラの服装でずっと過ごしているし、ローラとして買い物に行ったり、ローラとして日記を書いていたり……。役をとにかく徹底的に掘り下げる、素晴らしいパフォーマーでした。撮影が終わったあと、毎日彼女から何千通ものテキストメッセージが届くんです。そこにはたくさんの質問や、その日の振り返り、自分の役柄の現在の立ち位置についての考察が書かれている。あんな関係性を築けることはこれまでになかったし、本当に最高の体験だった！

マイケル：僕たち二人は映画と映画にまつわるあらゆるものに夢中だから、サリーのように同じ情熱を持つ人に出会えたのがすごく嬉しかったんですよね。彼女の感性にどっぷりと浸かることができたしね。

ダニー：うんうん。今でも彼女と友人としてメッセージのやり取りを続けていて、すごくいい関係ですよ！

――パイパー役のソラ・ウォンは演技経験がなかったと知って驚きました。とてもそうは見えなかったです。オーディションで彼女の秘められた才能に気付いたのでしょうか？

マイケル：そう、オーディションで彼女がパイパーだと確信したんです。即興で演技をしてもらったんだけど、彼女に説明したのは「父親が死んでいるのを発見した時、兄が助けてくれなかった」という状況だけ。与えた指示はそれだけなに、彼女はすっかりその状況に完全に没入して、見事な演技を披露してくれたんです。その演技はめちゃくちゃ繊細で、リアルで、完全にホンモノだったんです。

ダニー：それに、彼女が演技に慣れていく過程も本当に素晴らしかった。最初はカメラを怖がってたんですよ。カメラの前で歌ったり、泣いたりするのが怖いって。でも撮影が終わる頃には声を張り上げて歌い、指示通りに泣いて、まるでハリウッドの俳優のようでした。最高な彼女と一緒に仕事ができて本当に良かった。

――オリバー役のジョナとアンディ役のビリーも素晴らしい存在感でした。彼らと仕事をした印象や、お二人から見た彼らの魅力について教えてください。

マイケル：ジョナは身体表現がめちゃくちゃ素晴らしいパフォーマーなんです。オーディションでやってもらったのはセリフのないシーンだったんだけど、彼はものすごく感情豊かな表現をしてくれた。ご両親が俳優で、役作りでもサポートをしてくれていたみたいですね。それと彼は実生活でキックボクサーでもあって、試合にも出場しているんです。だからこそハードな特殊メイクにも耐えられたし、スタントもこなせる身体能力の高さがあった。そしてビリーは繊細で素晴らしい俳優だと思う。彼が初めて演技をした時の年齢と、妹役のソラの年齢が同じだったこともあって、撮影中、実際に彼女のお兄さんのような存在として接していたんですよね。彼も共感力がある素晴らしいパフォーマーなんです。

ダニー：何年か前に『Responsible Child』(2019)という映画でビリーの演技を見て、その素晴らしさに圧倒されたんです。ずっと一緒に仕事がしたいと思っていたから、今回こうして実現できたのは本当に嬉しかった！

個人的な恐怖の反映

――オリバーがナイフを手にするあのシーンは観客の語り草となりそうですね。撮影時のエピソードはなにかありますか？

マイケル：（満面の笑み）

ダニー：ゴアなシーンを撮るのはいつだって最高に楽しいね！　あのシーンはやっぱり撮影していて一番面白いシーンだった。撮り方を何通りも試したんです。マイケルが買ってきた小道具用のスポンジ製のナイフを使ったり、頭部の模型を作ってそこに本物のナイフを突き刺して唇を切るような演出をしたり。こういうアイデアを考えるのが本当に楽しいんです。

マイケル：劇中で聞こえるあの音なんだけど……最初の効果音の段階ではどうもしっくりこなくて。実際にナイフを口に入れて噛んでみたんです。そうしたらそれがやっぱり一番リアルだった。その音をそのまま映画に使ったから、皆さんが聞くことになるのは実際に僕がナイフをガジガジ噛んでる音だよ(笑)。

――作品においてご自身の個人的な恐怖が反映されている部分はありますか？

ダニー：そう、いつもそうなんだよね。ホラーというジャンルが世界中で共感を呼ぶ理由はまさにそこにあると思う。つまり、自分自身の個人的な“恐怖”を表現するということ。些細なことでもいいんです。例えば、ナイフや金属が歯に当たる感触や音を想像するだけで、僕はゾッとしたり、たまらなく嫌な気分になったする。そうした感覚を映画の中にうまく組み込んでいくのも一つの例だと思う。他にも色々あるけど、終わりのない悲しみの連鎖という概念も僕にとってはすごく恐ろしいこと。友人たちが、本当にトラウマになるような喪失を経験するのを目にしてきたから。結局のところ、自分が一番怖いと感じるものを表現する、ということに着地するんだと思う。

――ホラー映画が続いていますが、今後ホラーのサブジャンルで作ってみたいものは？

マイケル：ホラーじゃなくてゴメンだけど、いつかアクション映画を撮ってみたいっていう夢があるね！(笑)　これは間違いなく「死ぬまでにやりたいことリスト」に入ってる。

ダニー：それとドキュメンタリーもリストに入れていたけど、実はつい最近一本作ったから、リストからは外れたね(笑)。

マイケル：ホラーだったらそうだな……アイコニックなモンスターを生み出したい！　モンスター映画を自分なりの解釈で撮る、フレディ・クルーガーのようなキャラクターを自分で生み出す……そういうことに挑戦するのは、間違いなく「やりたいことリスト」に入っていますね！

『ブリング・ハー・バック』
７月10日(金)より新宿ピカデリーほか全国公開

監督の実体験から生まれた心理スリラー『ワンオペレーション』(原題:If I Had Legs I’d Kick You)が、９月18日(金)より公開されることが決定した。

育児・家事・仕事をたった一人で背負い込む“ワンオペ地獄”によって、主人公の日常とアイデンティティーが崩壊していくさまを、恐怖と笑いと圧倒的な没入感で描く。

監督・脚本は、本作が長編２作目となるメアリー・ブロンスタイン。心理学の修士号を持つ彼女が、重病の娘とモーテルで暮らした自身の実体験をもとに脚本を執筆。主人公の視点に徹底的に寄り添う没入型の演出と、生々しい現実感とシュールな不条理が入り混じる独創的な映像表現で、観客を終わりの見えないワンオペ地獄へと引き込んでいく。気鋭スタジオA24が製作を務め、主人公を『インシディアス』のローズ・バーンが演じる。

家事と育児、セラピストの仕事に追われるリンダは、原因不明の病を抱える幼い娘の世話に追い詰められていた。顧客の患者への対応、娘の担当医からの叱責、出張中の口うるさい夫からの電話……休まる暇のない日々の中、自宅アパートの天井が突然崩落し、娘とともに海辺の格安モーテルへ移り住むことに。誰にも頼れない孤独のなかで限界を迎えた彼女は、思いもよらぬ事態へと飲み込まれていく。

ただでさえ忙しい日々が、様々なトラブルによって地獄の様相と化す予告編はこちら。

『ワンオペレーション』
９月18日(金)ヒューマントラストシネマ渋谷ほか全国ロードショー

監督・脚本:メアリー・ブロンスタイン
出演:ローズ・バーン、コナン・オブライエン、エイサップ・ロッキー、ダニエル・マクドナルド
2025 年/アメリカ/英語/113 分/2.39:1/5.1ch/カラー/原題:If I Had Legs I’d Kick You/日本語字幕:堀上香/配給:東京テアトル、シンカ

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株式会社闇が手掛ける、“音”の恐怖をテーマにした展覧会「残響シ念展 -⾳と感情の実験室-」が東京・池袋のPARCO FACTORYにて開催中だ。

この展覧会では、音がいかに人間の認知を操り、感情に影響を与えているのかを実験するという。被験者はもちろん、来場者の我々である。

会場内部は実験室と称された６つの部屋に分かれており、来場者はひとつずつその中を進み、様々なアプローチで音が感情に与える影響を実験していく。

例えば……

映像単体では特になんでもないものが、BGMによって不安を掻き立てる不気味なものに見えてしまったり。

一般的に不快だとされる様々な音をヘッドホンで聴き、自分の中で不快スイッチが入る瞬間を確かめたり。

虫歯治療の音を聴くもの　歯医者嫌いは涙目必至

“壁の向こうにいる人の会話”など、音の出処が目視できない状態でその音を聴いてみたり。

壁にコップをつけて隣人の話し声を聴くもの　不明瞭な会話はなぜか良からぬ内容に思えてくる

ひとつひとつの実験は少々不穏な雰囲気はあるものの、それほど恐ろしいものではない。しかし、実験を重ねていくうちに耳から入ってくる情報にどんどん敏感になり、音と感情の結びつきが強固になってくる感覚がある。

そして、最後の実験室だ。このエリアだけは一切撮影不可となっている。

簡単に説明すると、４人ほどが入れる小部屋に入り、椅子に座ってヘッドホンで“ある音”を聴く。それだけである。実験を経て感覚が過敏になっているのも影響しているのか、音がゾワゾワと体を駆け巡り、戦慄する。そして、これは私だけではないことを願いたいが、流れている音の奥に、なにか声のようなものを聞いてしまったような気がする。あれは本当に聞こえたものなのか、あるいは緊張感から生み出された幻聴なのだろうか……。

最後の実験室に関しては、怖くなってしまった方は体験せずに退場することもできる。しかし意地悪な脅かし（ドアをぶち破ってゾンビ犬が飛び込んでくるとか）があるわけではないので、来場の際はぜひご体験を。ああ、ゾワゾワ……。

東京・池袋での開催後は、名古屋・心斎橋への巡回が決定している。最新情報は公式サイトでお確かめを。

「残響シ念展 -⾳と感情の実験室-」池袋会場
公式サイト：https://art.parco.jp/parcomuseum/detail/?id=1932

会場：池袋PARCO 本館7F PARCO FACTORY（東京都豊島区南池袋1-28-2）
会期：2026年６月26日(金)～７月20日(日) 11:00-21:00 ※入場は閉場30分前まで ※最終日18時閉場　
入場料：1,500円(税込) ※小学生以下無料 ※各種優待あり
主催・プロデュース：株式会社パルコ
企画・演出：株式会社闇

巡回情報
名古屋PARCO 西館6F PARCO GALLERY 2026年10月３日(土)～11月15日(日) 予定
心斎橋PARCO 14F PARCO HALL 2026年12月５日(土)～１月17日(日)予定

最初の実験室に置かれている物々しい実験資料

実験を繰り返すなかで異常をきたした様子の研究員の日誌が。ヤダァ、「バイオハザード」みたい

レントゲンかMRIでも撮りそうな実験室入口（撮りません）

認知症の母の介護をひとりで背負った娘。そんな母娘を取り巻く“呪い”を描いた『遺愛』が公開中の酒井善三監督と、自身初の時代劇『黒牢城』が公開中の黒沢清監督が対談。日本のホラー映画を牽引し、国内外の映画製作者に影響を与え続けてきた黒沢監督と、これからのホラー映画を担う酒井監督が、映画監督の作家性について語る。（第３回／全３回）

前回の記事：【対談】黒沢清監督×『遺愛』酒井善三監督（２） 観客にまで押し寄せてくる狂気を描く

「自分の個性みたいなものを見つけたら、そこで終わっちゃうんじゃないかって感じていて」

黒沢：本当分からないですね。映画は作ってみないと。どう考えても必要だとは思うのですが、無くしても誰一人疑問に思わない。思わないことが疑問になって、何かに思われたりするんですけどね。いやあ難しい。そういう意味で、基本的には映画自体がもう現実と妄想が入り混じった表現なんでしょうね。

さっき『テナント/恐怖を借りた男』の話が出ましたが、ロマン・ポランスキーを連想させるなとつい思ってしまいました。特に『反撥』とか。その若さでポランスキーの境地に達するっていうのはなかなか尋常なことではないと思うんですけれど。そういう狂気と現実と、それでも何か具体的に起こる怪異みたいなものが入り混じった作品を作っていこうという、その酒井監督の作家性みたいなものがどうやって生まれて今後どうなっていく、どうしたいというような欲望ってあるんですか？

酒井：結構「側」の方から出来ているというか。『カウンセラー』に関しても、本当は当初群像劇を撮りたかったんです。僕は自主映画をやってきて当時は商業の予算感もわかっていないので、「これぐらいならできるだろう」と書いたシナリオをプロデューサーに持っていくと「こんなの1億円ないとできないよ」「そんなの今の日本では通らないよ」と言われてしまうので、「あ、じゃあ自主でできるものを撮ろう」と思い撮ったのが『カウンセラー』だったり、それ以降の作品なんですよね。そうなると、もう人物と場所を減らすことをまず第一に考える。コスパみたいなものを考えてシナリオを書いていった時にサスペンスを産もうとしたら、ポランスキーってやっぱりそういう才覚がすごいんだろうなと思います。全く同じように、昔からあの感じをやっていて、とにかく場所と人間を減らしてるんだと思うんですよね。『ローズマリーの赤ちゃん』とかもまさにそういう雰囲気もあるし。どこから客観かどこから主観か分からなくさせることで、とにかく引っ張っていく。

今は「予算がない」ということで逆に「これでいいよね」っていう、ある種言い訳みたいなものを自分に設けて「個性」みたいになっているのかもしれないんですけど、もし撮り続けていけるんだったら別のことをやりたいし、やらなきゃいけないって思っています。あまり自分の個性みたいなものを見つけたら、そこで終わっちゃうんじゃないかって感じていて、とにかくそうじゃないことをやりたいな、と思ってます。

特に僕はワンカットで決定的な何かをするっていうことはできない、「カットを割ること」でどうにか展開させようっていう方向で今やってるので、そういうこともやってみたいです。ワンカットで何が起きるか、とかもやってみたいとは思ってるんですけど。今後はむしろ作家性みたいなものは持たない、意識しないっていうことが一番自分にとってはいいのかな、とか思っています。

「無意識に出ていってしまうものが作家性と呼ばれるんでしょう」

黒沢：職人を目指されるんですか？

酒井：そうありたいなとは思うんですけど、ただ実際、職人ってかつてみたいにものすごく映画が量産されているわけではない時代で、それもそれでやっぱり自分の中では格好つけみたいになっちゃうような気もしています。なので、あまり深く考えずに趣味の延長で時折こう映画が作れたら嬉しいな、っていうぐらいの気持ちではいます。

黒沢：職人か作家か誰にもよく分からないし、世間もはっきり区別していませんもんね。映画の場合は特に。

酒井：ただ僕が作ると必ず「黒沢さん的だ」とか、そういう言われ方をしたりするんです。

黒沢：光栄です。

酒井：僕は黒沢さんの大ファンで昔から見てるってこともあるので、その影響は間違いなくあるんですけど、じゃあ「黒沢さん的」って言われるのが一体なんなのかっていうのは全然分かってなくて。黒沢さんはご自身の作家性みたいなことを考えたりすることってあるんですか？

黒沢：作家性というのは一切考えないですね。自分の中から映画ができているとは思わない。多分酒井監督もなんとなく自覚してると思いますけど、作家性なんて全く出すつもりもないですし、外側に映画を作っているつもりなんですけど、何本か撮っていったり、批評家の方に言われたりして「またこれやってますね」っていう（笑）。つまり、無意識に出ていってしまうものが作家性と呼ばれるんでしょう。

「また同じことやっています、ドキッ」っていうね。こっちは外側で作っているつもりが、なんか内側からつい出てしまうもの……映画って表現しちゃっているんですよね。怖いです。

「今までの作品と全く違うものであるはずなのに、“あ、やっぱり黒沢映画だ！”って思うんですよね」

酒井：まさに『黒牢城』も見させていただいたんですけれども、黒沢さんとしては時代劇で、今までの作品を考えると全く違うものであるはずなのに、「あ、やっぱり黒沢映画だ！」って思うんですよね。その辺がどこから来ているのかなというのもやっぱり気になります。

黒沢：いきなりそんな（笑）。何十本も撮ってきましたけれども分かりませんし、そういう意味でやはり「職人」という言葉も怪しい言葉なので…。やっぱり映画は一人で作るものじゃないのでね。自分とは関係ないところで、外側に映画を作っていく、っていうことで僕はいいと思います。でもきっと出ますよ、作家性は。覚悟しておいてください。この監督、こういう映画を見てきたなとかいうのがボロボロ出ますからね(笑)

酒井：指摘されたらちょっと嫌ですよね。(笑)

黒沢：さらっと聞き流すしかないですけどね。戦いながら続けていくしかないと思いますが。日本にいよいよロマン・ポランスキーが誕生するのかな？
もう言っちゃったから縛られると思います（笑）。ものすごく期待しております。

酒井：ありがとうございます。

『黒牢城』／公開中

――酒井監督から観て『黒牢城』はいかがでしたか？

酒井：黒沢さんの作品って、すごく特殊な表現が記憶に残りやすいイメージではあったんですが、今回見終えた時、クリント・イーストウッド作品とか最近だと『フォードvsフェラーリ』とか、ああいう「終わった後に情緒を感じる」というか。悲哀があり、同時に爽やかな終わり方の余韻を感じました。

いわゆる「黒沢ファン」という人たちも沢山いると思うんですが、そうじゃない。これは黒沢清監督作品だって言わなくても面白いって思うような、アメリカ映画の情緒みたいな感じを受けました。それはあのラストに感じたんですよね。原作がエピソード集というか、ゲーム的な感じで、1面クリアして２，３，４，面とクリアしてエピローグがある、という構成。全くそれをほぼ変えない流れにも関わらず、村重という男がちっぽけで孤独で、でもそれが解放されて、分かち合えなかった人たちと一瞬分かち合えたような感じになって、それぞれ別の道を進んでいく。村重という人間のドラマとしての統一性が高まっているように思いました。なんかそれが、しみじみいいなと思いました。いい映画を見たっていう感じがすごくしたんです。

例えば土牢自体が違う空間になっているなどの細部の変更はありますが、これまでの作品『リアル』とか『クリーピー 偽りの隣人』みたいに話を大きく変えてるわけではなく、原作にあるものをよりドラマチックにするために脚色されたのかなと思ったんですよね。それはある種、作家性から「離れてる」と感じた理由の一つかもしれません。先日、西川亮（ライター）さんと話した際に「日本映画黄金期の大作映画とかアメリカ映画みたいな、監督印みたいなものではない作品になっていてすごいよね」って話になったんです。そういう印象でした。

黒沢：じゃあ僕もやっと自分じゃない外側に映画を構築することができたんですかね。原作の力がもちろんあったんですけど、荒木村重という実在した人を扱っている、というのがより僕自身と切り離して、キャラクターを作ったりすることができたのだろうと思います。自分ではまあよく分かりません、何を作ったのか（笑）。でもそう言っていただけるのであるならば、やっと真っ当なエンターテインメント、娯楽映画が僕は作れたのかもしれないですね。

酒井：土牢のあの柵の中に入るかどうか、って結構大きな問題だったと思うんですよね。そこのアレンジは大きなところだったと思うんですけど、あれはどこでああしようと思ったんですか？

黒沢：そんなに深く考えたわけではなくて、原作を読んだ時から映画にするならその牢のシーンはものすごく重要で、『羊たちの沈黙』のレクター博士のイメージでした。檻の向こうとこっちにいる人の関係が非常に重要であるならば、檻の向こうとこっちだけでは多分成立しないだろう、っていうのは最初から思っていました。牢の中に入って、かつ最初はあまり動けないですけど途中からどんどん動けるようになって代わっていく、という風にしました。

酒井：後半あたりから、不思議とあの空間の照明が明るくなっているようなイメージもあったんですが、その辺は実際そういう打ち合わせとかもされたんですか？

黒沢：明るい、ということを狙ったわけではないんですけれども、外光が入っているという設定もあって。ここは悩ましいところだったのですが、日本の建造物を建造物として撮りたいな、という思いがあったんです。それこそが時代劇の魅力のひとつでもあるので。手前の俳優は映ってるけど、奥が真っ暗で何も分からないっていう表現もあると思うのですが、せっかくこんな立派な建造物があるので、しっかり見せたいとは思っていました。現代劇で撮ったらとにかく全部真っ暗にしようと思ってしまうのですが、そこにすごいものがあるわけです。実際、国宝級の京都のお寺とかお城とか様々なところで撮影させてもらったので、これ見せない手はないな、っていう感じで、自然といつもよりは背景がしっかり見えるようにしたかもしれません。

酒井：なるほど。とっても野暮な質問になっちゃうかもしれないんですけど、あの「回し飲み」……水の回し飲みは何かイメージあったんですか？

黒沢：参考となる何かがあったわけではないです。深い考えもないです。ただ分かりやすく、最後に残った人たちでみんな身分が全然違うわけですが、同じものを共有して一瞬心が通い合ったのか…みたいな瞬間を作ろうという、それだけの発想です。

『遺愛』上映中
配給：ライツキューブ

『黒牢城』上映中
配給：松竹

©2026「遺愛」製作委員会
©米澤穂信/KADOKAWA　©2026映画「黒牢城」製作委員会

『グレイヴ・エンカウンターズ』のスチュアート・オルティス監督が手掛けるモキュメンタリー・ホラー『ストレンジ・ハーベスト　インランド・エンパイアの怪事件』が７月17日(金) より公開。監督のコメントと４種のアザービジュアルが到着した。

犯罪ドキュメンタリーの形式で、カリフォルニア州で起きた奇怪な猟奇殺人事件の真相を検証する本作。儀式的な手口や犯行現場に残されたシンボルが特徴的なこの事件は、1993～95年に３件の殺人が行われたのち、15年後に再び同じ手口での犯行が確認された。事件には“ミスター・シャイニー”なる人物が関与しているのだが……。

４種のアザービジュアルは、映画本編から切り取られた、行方不明を思わせる少年の写真や、おどろおどろしい男の顔、防犯カメラが捉えた謎の黒ずくめの姿、そして奇怪な三角形のシンボルが使用されている。いずれも禍々しく、なんとも不安を掻き立てられるものとなっている。

本作を手掛けたオルティス監督によるコメントが到着。質問に回答する形で、本作をモキュメンタリーの形式にした理由や、デヴィッド・リンチからの影響を明かしている。

Q1. なぜ従来の劇映画ではなく、モキュメンタリー形式でこの物語を語ろうと思ったのですか？

この形式にすることで、より深い没入感を生み出せると考えました。現代のトゥルークライム・ドキュメンタリーのフォーマットやスタイルを徹底的に模倣することで、観客はより自然に“疑いを保留”しやすくなると思ったのです。
私は世界観構築に徹底的にこだわりました。細部やニュアンスをぎっしりと積み重ね、本物らしく感じられる状況を作り上げています。観客が理性的には「これはフィクションだ」と理解していたとしても、幻想が十分に説得力を持っていれば、感情的には物語に引き込まれるのです。

Q2. なぜ舞台をカリフォルニア州サンバーナーディーノ(インランド・エンパイア地域)に設定したのですか？

サンバーナーディーノは、恐ろしい連続殺人事件が起きていても、世間にはほとんど知られずに終わっていそうな場所に思えました。広大で無機質な印象があり、歴史的にも年間犯罪率が平均より高い地域です。また、デヴィッド・リンチが自身の映画『インランド・エンパイア』のタイトルにこの地名を用いています。あの一帯にはどこか奇妙な雰囲気があるのです。

Q3. 本作から観客に何を受け取ってほしいですか？

私たちが細部にまでこだわって作り上げた“幻影”や“呪い”のような感覚が、観客の心をつかんでくれればと思っています。たとえIMDbのトリビアページを読んだあとであっても、「これは本当に現実なのか？」と疑い続けてほしいのです。そして、あの捉えどころのないミスター・シャイニーが、観客の夢にまで現れる存在になってくれればと願っています。

『ストレンジ・ハーベスト インランド・エンパイアの怪事件』
７月17日(金) より、全国ロードショー

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『ジェーン・ドウの解剖』(16)、『ドラキュラ／デメテル号最期の航海』(23)のアンドレ・ウーヴレダル監督が手掛けるロードトリップ・ホラー『パッセンジャー』が7月10日(金)より公開。撮影現場での恐ろしい逸話が明かされる特別映像が到着した。

本作は、ロードトリップをしていたカップルに襲い掛かる逃げ場のない悪夢を描いたもの。映像にはキャストとスタッフが登場し、現場で様々な怪奇現象が起きたこと、殺人事件が起きたいわく付きの場所で撮影していたことなどが語られている。ウーヴレダル監督は「ただのホラー映画じゃない。現場では奇妙なことがいくつも起きた」、プロデューサーのウォルター・ハマダは「まるで悪魔の仕業のようだった」と証言。キャストのジェイコブ・スキピオは、プロデューサーに「お祓いをしてほしい」と懇願したことを明かしている。証言するスタッフたちの背景に映る現地の景色がすでに怖い。

『パッセンジャー』
７月10日(金)劇場公開

場面写真

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認知症の母の介護をひとりで背負った娘。そんな母娘を取り巻く“呪い”を描いた『遺愛』が公開中の酒井善三監督と、自身初の時代劇『黒牢城』が公開中の黒沢清監督が対談。日本のホラー映画を牽引し、国内外の映画製作者に影響を与え続けてきた黒沢監督が、これからのホラー映画を担う酒井監督に質問をぶつける。（第２回／全３回）

前回の記事：【対談】黒沢清監督×『遺愛』酒井善三監督（１）　正体の見えない恐怖をどう描くか

「正義のために、よかれと思って行動する孤独なヒーローのようなイメージでした」

黒沢：映画の後半の方で、彼女がフライパンで自分の手を焼いてしまう。多分あの辺から物語のテイストがガラリと変わってくる感じがありました。つまり何か怪異なもの、さっき仰った式神かどうかは分かりませんが、そういうものが出現するんじゃないかっていうのと少し違って、彼女がだんだん狂っていくという方向に話が急激にシフトしていく感じがあるんですけど。あの辺はやっぱり意図的にあのシーンから物語も変えていこうとされたんですか？

酒井：そうですね。とにかく展開が停滞したら嫌だなと思いまして。ここまで詰め込んでこうなっちゃったら、ここで物語が終わっちゃうぐらいまで一旦ここで進めて、そこからどういう風に展開させようみたいな、割と後々考えていくみたいな感じでプロットを練っていきました。ここで話が一旦終わって、急に別の話が始まるみたいな感じでも、展開が停滞するよりかは、飽きずにお客さんは観てくれる方が良いという気持ちもあったんですよね。特に90分、長編が初めてだったってこともあって、持て余してしまうと言いますか。

黒沢：なるほど。

酒井：そんなにいらないという（笑）。ストーリーをオリジナルで書く分には90分はちょっと長いなと思っていて、説明のシーンができちゃったりすることもあるから。とにかくどう展開させよう、飽きさせないためにどうやったら良いかと考えました。

黒沢：真っ当にエンターテインメントにしようとしていたわけですね。

酒井：全体として面白いっていうよりかは、もうとにかくつまんないシーンをなるべく少なく行きたいという思いではいます。

黒沢：ちなみに、どんどん展開していこうとか、あるいは途中でガラリと変わって別の方向に話が進んでいくみたいなものとして何か参考にされた作品とかあるんですか？

酒井：展開が変わること自体はそこまで何かを参考にしたわけではないんですけど、途中でジャンルが変わってもいいやと思っていました。ここまではニューロティック・スリラーと言いますか。『テナント/恐怖を借りた男』とかですね。

黒沢：『テナント/恐怖を借りた男』ですか。

酒井：はい。疑惑だけでとにかく45分ぐらい行く。疑惑のまま90分を描くのテンポが悪いと思ったので、そこで一回区切って、もうこれから先書けないからちょっと違う風に書いていこうと思って。そっから先は何というか、デヴィッド・クローネンバーグの『デッドゾーン』のイメージでした。正義のために、よかれと思って行動する孤独なヒーローのような。

黒沢：なるほど。

酒井：『デッドゾーン』自体そうだったと思うんですけど、運命に抗うみたいな話を中盤からスタートできればなと思ったんですよね。なので、かなり歪な作りになっていて。

黒沢：それはすごい。『テナント/恐怖を借りた男』と『デッドゾーン』が合わさったのですか。なんて贅沢（笑）。どちらも名作ですね。

「何か決定的な事件を起こすところに、何かの因果が関わっているという見せ方がしたかった」

黒沢：ちょっと分からなかったのが、途中で少女が出てきますよね？

酒井：はい。

黒沢：お葬式の時にも出てきて、前半はほとんど記憶にあまり残らないんですが、後半になるとこの少女の存在が重要になっていく。はっきりとはわからなかったのですが、あの少女はどういうキャラクターなのですか？

酒井：最初に亡くなった旧友の子供です。その後、母親も殺人を犯してしまい、児童相談所のようなところに行って、でもそこからストレスなのか石を投げるようになってしまい、それが巡り巡って……なんかこう「運命の歯車」がカチリカチリと噛み合っていくようにしたかったんです。人物説明をセリフでするのも違うなと思い。その辺がちょっと伝わりにくくなってしまったところかもしれません。何か決定的な事件を起こすところに、何かの因果が関わっているという見せ方がしたかったんです。

黒沢：あとこれは些細なことかもしれませんが、赤い風船が飛んでいくシーンがありましたが、あれ何だったんですか？すごく印象に残ったので。

酒井：僕はロングプロットを一気に書くタイプで、そこから友人の宮﨑圭祐に初稿を書いてもらえるかなと相談して書いてもらったんですよね。そしたら写真を破っている母親に怒鳴るシーンの手前で、なんか足にガラスが刺さると、彼が書いてたんです。僕のプロットにはなかったことで、これってなんか溜まりに溜まったものがこう風船みたいに割れるってことでいい？と聞きまして。

黒沢：ほう。

酒井：彼が書いてくれた初稿は、まだモノローグがあまり入ってなかったんですけど。僕としては、これはもう「はったり」みたいな感じになってしまうと理解したうえで、とにかく興味を引くために、その人の個人的なモノローグを入れていったほうがいいかなって思ってたんですよね。それは『カウンセラー』とかでもやった方法だったので。

それでよく分からない連想のモノローグみたいなもの、例えば貯金箱がどうとか、忍者がどうとか、なんかよく分からない子供の頃の記憶を人に向かって喋っていく人みたいなモノローグを入れようと思った時に、だったら風船に関するモノローグ入れようかなと思ったんですよね。だとしたら、風船ぐらいならそんなに映すことは大変でもないと思い入れてます。

黒沢：それはそうですね。

酒井：なにかちょっと興味を引く必要があると思いました。突然あのような物騒な話をし始めたと思ったら急に人間ドラマになって、回想が長く続くので。お客さんが飽きるかなと思ったんですよね。なんか絵的に「ん？」って疑問形を持たせたいなと思って。それで、あ、これは風船出しとこうって。そしてモノローグに繋げようと思ったっていう感じですね。

黒沢：何か過去の映画のオマージュで赤い風船が出てきて、それを何か想起させようとか、そういうことでもなかったんですね。

酒井：そうです。そういうことでもなく、もうシンプルに風船。で、なんか「風船っていったら赤だよな」みたいな話をしていました。

「こっちにも何かその狂気が押し寄せてくるんじゃないか、観てるこっちも狂ってくるんじゃないか」

黒沢：床に落ちる照明が目玉みたいな感じになっているなと思って見ていたら、後半急に強大な目玉のようなオブジェがバーンと出てきて、この目玉みたいなものが何か一つの符号としてあるのかなと妄想したんですけど。

酒井：あれはまさに目玉です。目のライトをつけていて。打ち合わせをしている最中に照明の西山さん（西山竜弘）「酒井さん、ちょっとこれ使ってもいいですか」って写真を見せてもらって。それが目玉のライトで。最初に見た時はちょっと露骨だろうか、とも思ったんですが（笑）。

でも基本、スタッフがやると言ったらほぼお任せで、物語にさすがに抵触するなという時は言うことはありますが、基本やりたいって言ってくれてるものは全部やってもらった方がいいと思っていたので。「もちろん、お任せします」と言ってやってもらいました。

黒沢：そんな露骨ではなかったですけど、ただ気がついちゃうと「あ、そこにも」ってね。

酒井：黒沢さんは撮影照明についてはかなり言われるんですか？それともある程度お任せなんですか？

黒沢：そんなに細かいことは言わないです。こだわる瞬間もあるんですが、そんなにこだわりはないですね。ただこの表情見せなくていいんで影にしてくれ、とかそういうことを言う時はありますけれども、全体のプランとかはそんなに細かくは言わない。「あそこ目玉にしてくれ」とは言ったことはないですね（笑）。

ちょっと話を戻すようですけど、特に後半…、やっぱり狂気の描き方の部分。観ている側も単に狂ってる人を見てるっていうだけじゃない、こっちにも何かその狂気が押し寄せてくるんじゃないか、観てるこっちも狂ってくるんじゃないか、と。だから怖い、この映画見てるとやばくない？という感じがだんだんしてくるんですけど。カウンセラーなんかもまさにそんな感じがありましたが、やはり狂気というものに酒井監督は興味があるんですか？

酒井：普通は映画だからあくまで客観的な映像が存在する、っていう風に撮るラインを引いてると思うんですよね。ところが僕の場合は、どうせ全部嘘、映画だから、客観も何もないっていう、という考えを持っていて。客観なのか主観なのかがだんだん分からなくなってもいいや、っていう気持ちで『カウンセラー』でそれをやってみました。その中で、こういう方法なら、低予算の中でもやりようがある、と思ったんですよね。なので今回もそれを割とやっていて、記憶なのか実際のことなのか、書いてる方もよく分かってないけど、混濁していくっていうものを入れておくことで、何かしら心理的な圧迫感みたいなものをお客さんも感じてくれるかな、と思ったんですよね。

黒沢：そういう「現実なのか妄想なのか、だんだんその境目をなくしていこう」という発想って、例えばどんな映画の影響とか、「この映画みたい」とかあります？

酒井：ちょっとありきたりかもしれないですけど、リチャード・フライシャー監督の『絞殺魔』です。

酒井：他人の記憶、回想の中に急に聞き手が出たりする。過去の話、記憶の中の話をしているから、そこはリアリティのゾーンとはちょっと違う、みたいなことをやっている。あとは特に『カウンセラー』の時とかそうだったんですけど、クロード・ミレール監督の『検察官』。尋問していく話のなか、途中でフラッシュバックが一瞬入るっていう。その記憶が結局、記憶違いなのか何なのかよく分からないんですけど、話している間にその人の主観なのか客観なのか、曖昧なものが出てくるっていうのは、音と絵がずれてることにもハッとするし。そういう意味でこういうギミックは結構使っています。もちろん黒沢さんの『キュア（CURE）』も。カットが変わったら急に妄想が覚めていたり、そういうイメージはそこにもあるのでそれも参考にさせていただいています。

黒沢：撮ってる時は「これは現実、これは妄想」って割と明確に分けて撮ってらっしゃるものなんですか？

酒井：全く分けていなかったです。はっきりと分けてしまうとこの曖昧さみたいなものもなくなってしまうため、緊迫感というか精神的な圧迫感みたいなものも減るような気がしまして…。映像的には曖昧になるけれど、役者さんには全部本当にあったことです、という前提で説明して撮影しました。

黒沢：なるほど、でも映画ってそういうものですよね。どんなに撮る時に確信を持っていても、繋いで出来上がったものはどうとでも見れるんだな、これ、っていうね（笑）。「絶対説明が必要だ」と思っていたものの説明の部分をカットしても誰も疑問に思わない、なんてよくありますよね。

酒井：まさに、そうですね。

『遺愛』上映中
配給：ライツキューブ

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