写真だけで期待大。

観客を笑いの渦に巻き込んだ『タッカーとデイル 史上最悪にツイてないヤツら』(2010)を韓国でリメイクした『ハンサム・ガイズ』が10月３日(金)より日本公開されることが決定した。

リメイク元の『タッカーとデイル 史上最悪にツイてないヤツら』は、そのルックスと度重なる偶然によって殺人鬼だと誤解されてしまう中年男二人組を描く一作。二人を警戒した若者たちが勝手にバタバタと死んでいく様が爆笑を呼ぶ、ちょっぴり過激な傑作スプラッターコメディだ。

リメイク版となる『ハンサム・ガイズ』では、オリジナル版の可笑しさはそのままに、オカルト要素や韓国映画らしいシニカルさを加えてアレンジ。これまでも共演経験のあるイ・ソンミン（『ソウルの春』）とイ・ヒジュン（『KCIA 南山の部長たち』）が、オリジナル版よりも更に（？）いかつい見た目で主人公の二人を演じる。

自称“タフガイ”ジェピル（イ・ソンミン）と“セクシーガイ”サング（イ・ヒジュン）の仲良しコンビは、森の奥深くにある家を買い、夢のマイホームと新たな暮らしに浮かれていた。コワモテだが心優しい二人は、近くの湖で溺れかけた大学生のミナ（コン・スンヨン）を助け、家で介抱する。しかし、その様子を目撃したミナの友人たちに殺人鬼だと勘違いされ……。

ヒロインのミナ役にコン・スンヨン（『おひとりさま族』）。主人公の二人を追う地元警察コンビをパク・ジファン（『犯罪都市』シリーズ）とイ・ギュヒョンが演じる。脚本・監督は本作が長編デビュー作となるナム・ドンヒョプ。

『ハンサム・ガイズ』
2025年10月3日(金)より新宿ピカデリー他にて全国順次公開

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【公開延期】
1/15の公開が予定されていた本作は、新型コロナウイルス感染拡大と緊急事態宣言発令に伴い、公開日の延期が発表されました。新たな公開日は追って発表されるとのことです。

あらやだ、カワイイ。

『ハッピー・デス・デイ』クリストファー・ランドン監督最新作、女子高生と殺人鬼（中年男性）の身体が入れ替わってしまうという未体験ホラー『ザ・スイッチ』が2021年1月15日より全国公開。二人の入れ替わりビフォーアフターが分かる場面写真が解禁となった。

ビフォー

入れ替わり前の写真から見ていこう。

入れ替わってしまうのは、キャスリーン・ニュートン演じる気弱で冴えない女子高生ミリーと、ヴィンス・ヴォーン演じる凶悪な連続殺人犯の中年男性ブッチャーだ。

ミリーは、親友ふたりと過ごす時間を唯一の楽しみに高校生活を送っていたのだが、とある13日の金曜日、密かに忍び寄っていた殺人鬼ブッチャーに襲われ……

アフター（女子高生ミリー：身体は中年の殺人鬼）

続いて、入れ替わり後のミリーの写真。身体こそ中年男性になってしまったものの、仕草がなんともキュートなミリーの姿が映し出されている。心はJK、身体は中年のミリーは、親友ふたりの協力のもと自分の体を取り戻すべく奔走する。

もちろんこれはヴィンス・ヴォーンが演じているわけだが、本作の予告編で彼の“JK演技”を観たスティーブン・キングは、「アカデミー賞もの！　クソ素晴らしい」とTwitterで絶賛している。

アフター（殺人鬼ブッチャー：身体は女子高生）

一方でブッチャーはというと……。

女子高生の身体を手に入れたブッチャーは、地味め女子高生だったミリーのスタイルを脱却し、メイクもバッチリ、赤いライダースジャケットに身を包み、クラスメイトも驚くほどのパワフルな美女に変貌していた。これはこれでカワイイ。

しかし、それだけではない。ブッチャーは女子高生の身体で殺戮を楽しもうとしており、チェーンソーを片手に不敵な表情を浮かべるシーンも映し出されている。

本作は本年度のシッチェス・カタロニア国際映画祭などで上映され、「ホラーとユーモアが絶妙なバランスで、地獄のように楽しい時間」と称賛された。北米で先日11月13日（の金曜日）に劇場公開が始まると、全米初登場No.1を獲得。コロナ禍の影響が未だ続くなか、多くの観客が劇場に足を運び、“地獄のように楽しい時間”を体験したようだ。日本での公開が楽しみだね。

『ザ・スイッチ』
2021年1月15日(金)全国ロードショー（※公開延期）
theswitch-movie.jp

監督:クリストファー・ランドン
製作:ジェイソン・ブラムほか
出演:ヴィンス・ヴォーン、キャスリン・ニュートン、アラン・ラックほか
配給:東宝東和
原題:Freaky

(C) 2020 UNIVERSAL STUDIOS

目が覚めたら両手に拳銃がガッツリ固定！　最強殺し屋との“殺し合い”に強制参加！　主演は『ハリー・ポッター』『スイス・アーミー・マン』のダニエル・ラドクリフ！　そんなキャッチーすぎるエクストリーム・ガン・アクション『ガンズ・アキンボ』が待望の日本上陸。2021年2月よりTOHOシネマズ日比谷ほか全国公開される。

主人公は、ダニエル・ラドクリフ演じるゲーム会社のプログラマー、マイルズ。ネットの掲示板やコメント欄に過激な書き込みをする“荒らし”行為で仕事の憂さを晴らすクズい日常を送っている。ある日マイルズは、街を舞台に殺し合いをさせ、それを視聴する人気の闇サイト「スキズム」でいつものように攻撃的なコメントを書き込みまくっていた。しかし、マイルズの目に余る荒らしに対し、サイトを管理する闇の組織のボス、リクターが激怒。IPアドレスからマイルズの住所を特定し、マイルズを麻酔で気絶させる。目を覚ましたマイルズは意識が朦朧とする中で驚愕する。両手にボルトで拳銃が固定されていたのだ！　さらにリクターはマイルズの元カノを拉致し、「スキズム」で最強の殺し屋ニックスと戦い、勝てたら解放すると条件を突きつける。ゲームの中でしか銃を撃った経験がないマイルズは、2丁拳銃（＝アキンボ）を武器にこの殺し合いで生き残り、元カノを無事に救出できるのか？

監督・脚本は、メタル少年と悪魔とのバトルを描いた傑作ホラーコメディ『デビルズ・メタル』のジェイソン・レイ・ハウデン。漫画やゲームの要素を取り入れた新感覚のビジュアルエフェクトで観客を魅了する。主人公の命を狙う最強殺し屋“ニックス”を演じるのは、『ザ・ベビーシッター』『レディ・オア・ノット』のサマラ・ウィーヴィング。『レディ・オア・ノット』で義家族と殺し合いをする花嫁をホットに演じたサマラの活躍にも期待大だ。

『ガンズ・アキンボ』
2021 年2月、TOHO シネマズ 日比谷ほか全国公開

監督・脚本：ジェイソン・レイ・ハウデン
配給：ポニーキャニオン

(C) 2019 Supernix UG (haftungsbeschränkt). All rights reserved.

映画大国インドから、話題の日本未公開作品を上映する「インディアンムービーウィーク2020」が、9月より全国順次開催。ホラー映画『ストゥリー　女に呪われた町』が日本初上映される。

『ストゥリー　女に呪われた町』(原題：STREE)は、アマル・カウシュク監督によるゴースト・ホラーコメディ。インド映画初のゾンビコメディとして日本でも話題を呼んだ傑作『インド・オブ・ザ・デッド』の監督コンビ、ラージ・ニディモールーとクリシュナDKが、本作のプロデュースと脚本を手掛けている。

祭りの季節になると女の幽霊（ストゥリー）が現れ、若い男性をさらうという伝説がある町。仕立屋のヴィッキーはある日、古風で謎めいた女性に出会う。その頃、ヴィッキーの友人が、衣服のみを残して幽霊にさらわれてしまう。カルナータカ州に伝わる怪談をベースにした物語で、個性派俳優たちの存在感も見どころとなっている。

出演は、『バレーリーのバルフィ』のラージクマール・ラーオ、『サーホー』『きっと、またあえる』のシュラッダー・カプール。

「インディアンムービーウィーク2020」ではこのほか、社会派ドラマやスリラー、コメディなど様々なジャンルのインド映画を上映。全作品のハイライトを詰め込んだ予告編が公開されている。

「インディアンムービーウィーク 2020」
主催:SPACEBOX

＜会場・会期＞
キネカ大森：2020年9月11日(金)～10月8日(木)
新宿ピカデリー：2020年9月25日(金)～(終了日未定) ほか全国順次開催予定
■9月25日(金)から(終了日未定)
MOVIX利府／MOVIX 三郷／MOVIX 柏の葉／ミッドランドスクエア シネマ／MOVIX 京都／なんばパークスシネマ／神戸国際松竹
■10月9日(金)～10月22日(木)
シネ・リーブル梅田

公式サイト:https://imwjapan.com/

2019年夏に全米で公開され、3週連続トップ10入りを果たした過激アクションホラー『レディ・オア・ノット』が待望の日本上陸。2020年6月24日(水)に先行デジタル配信開始、7月15日にブルーレイ+DVDセットでリリースされる。

大富豪一族に嫁ぐことになり、幸せの絶頂にいたグレース。結婚式の日の夜、彼女はファミリーとして認めてもらうための“伝統儀式”に参加することになる。それは、一族総出で行われる“かくれんぼ”だった。夜明けまで逃げ続けるように告げられ戸惑う彼女だったが、まもなくゲームがスタート。やがて彼女は、一族全員が武器を手に自分の命を狙っていることを知るのだった……。絶体絶命の状況のなか、恐怖に怯えながらも戦うことを決意し立ち上がるグレース。果たして、彼女の運命は？　そして一族に隠された恐ろしい秘密とは？　

監督は、映画製作グループ「レディオ・サイレンス（Radio Silence）」に所属し、『デビルズ・バースデイ』を手掛けたタイラー・ジレットとマット・ベティネッリ=オルピンのコンビ。ドレスで戦う花嫁グレースを演じるのは、『スリー・ビルボード』のようなアカデミー賞映画に出演する一方で、『ザ・ベビーシッター』『Z Inc.　ゼット・インク』といった過激なホラーコメディでも魅力を放つサマラ・ウィービング。そのほか、アダム・ブロディ、アンディ・マクダウェル、マーク・オブライエンら豪華キャストが脇を固める。

ブルーレイには、監督とグレース役のサマラ・ウィービングによる音声解説をはじめ、物語を彩るウエディングドレスができるまでのメイキング映像、NGシーン集、過激バージョンの予告編などが収録される(デジタル配信(セル)にも一部収録)。

ホラーとブラック・コメディの要素が絶妙なバランスでマッチした作品になっているという本作。劇場公開されないのは残念だけど、映画館に行ける日がいつになるか分からない今、こうしてリリースしてくれるのはありがたい限り。お家で『レディ・オア・ノット』を楽しもう！

『レディ・オア・ノット』
6月24日（水）先行デジタル配信開始
7月15日（水）ブルーレイ＋DVDセット発売
発売：ウォルト・ディズニー・ジャパン

(C) 2020 Twentieth Century Fox Home Entertainment LLC. All Rights Reserved.

本作は、「スローターハウス・スクール」というエリート学園に突如襲いかかる恐怖を描いた物語。イギリス本国で2018年10月31日（ハロウィン！）に公開された作品で、サイモン・ペッグとニック・フロストは出演のほか、製作総指揮にも名を連ねている。監督は、サイモン・ペッグ主演の『変態小説家』を手掛け、ロックバンド「クーラ・シェイカー」のメンバーとしても知られるクリスピアン・ミルズ。

予告編（英語）はこちら。予告編では、「スローターハウス・スクール」の日常の様子が切り取られているほか、如何にもよからぬことが起こりそうな巨大な穴が映し出され、後半では謎の巨大生物が学園生活を脅かしている様子が確認できる。……一体何が起こっているんだ？

『スローターハウス・ルールズ』
Netflixで4月1日配信
https://www.netflix.com/title/81086993

現在、池袋シネマ・ロサで3週間限定公開中の映画『みぽりん』。ホラー・コメディの形をとりアイドル業界の暗部へ斬り込んだ本作は、2019年春に神戸の元町映画館で流された予告編で火がつき、公開前から「みぽらー」と呼ばれるファンを生んだ異色の作品。同年の「カナザワ映画祭」で観客賞を受賞し、その後、元町映画館で上映が始まると１週間の上映期間全てで満席を記録する。初のシネコン上映となったOSシネマズ神戸ハーバーランドも満席完売。

その実績を引っ提げて東京へ乗り込んだ松本大樹監督に、“みぽりん”役の垣尾麻美さん、“アイドルおたくカトパン”役の近藤知史さん、“アイドル事務所マネジャー”役の合田温子さんを交え、『みぽりん』にかける思い、インディーズ映画へのこだわりを伺った。

＜あらすじ＞
声優地下アイドルユニット「Oh！それミーオ！」でセンターを務める神田優花。ソロデビューが決まったものの、実は音痴である優花の歌声にプロデューサーの秋山とマネジャーの相川は頭を抱えていた。グループメンバー里奈の紹介で、優花はボイストレーナー「みほ」の指導を受けることとなり、人知れず六甲山にあるみほの山荘へ向かう。優しくもどこか異常性を垣間見せるみほに戸惑う優花。レッスンを進めていくなかで二人の関係には徐々に亀裂が入り、「監禁」という事態へと発展していく。ライブ前日になっても連絡のつかない優花を心配した秋山と相川は、優花推しファンの“カトパン”こと加藤の指摘でようやく事態に気がつき、３人は優花を助けに六甲山へと向かうのだが…

「無名の人たちがたった一本の映画で起こした“社会現象”が大変な衝撃だった」

――『みぽりん』はどのようにして生まれたのでしょうか。

松本大樹監督（以下、松本）：子どものころから映画は大好きでした。就職を考えるときになって、いつか映画を撮るんだという漠然とした思いで映像関係の職を選びました。編集スタジオでのオペレーターに始まり、やはり実際に撮影をしてみたくなって企業コマーシャルやミュージックビデオを撮り、根本からつくってみたくなって制作会社へ…というと聞こえはいいんですが、僕は本当にダメ人間で、会社勤め自体が合わなかったんです。同じところに毎日通うということができなくて、もって１年そこそこ、３年続かない。飽きちゃうんですね。飲み会みたいな会社文化も好きじゃなくて、なじめませんでした。それでも映画をつくりたいという気持ちは強くあって、ただ、関西で今、映画の仕事にかかわれる機会ってほとんどないんですよ。ましてや自分が監督として映画を作るだなんて夢のまた夢だと悶々としていたところに、去年の夏です。上田慎一郎監督の『カメラを止めるな！』の関西上映が始まり、TOHOシネマズ梅田の一番大きなスクリーン（747＋４席）が満席になったんですね。東京での上映の熱狂的な様子は噂には聞いていましたが、正直、上田監督のこともキャストの方々のこともまったく知りませんでした。そんな無名の人たちがたった一本の映画で起こした“社会現象”を目の当たりにして、大変な衝撃を受けました。同時に、関西にいるから仕方がないと変なコンプレックスを抱えて踏み切れないでいた自分が情けなくなり、もう言い訳はできないぞと強烈に背中を押された思いがしたんですね。

そこから脚本に取り掛かったのが８月。２カ月で一気に書き上げました。テーマと撮影地は決めていたんです。六甲山を舞台にしたホラー映画。六甲山って、昔から都市伝説みたいなものがあるんですよ。戦（いくさ）で負けた武将６人の首が甲（かぶと）と共に埋められているから「六甲山」というんだとか、「牛おんな」が出るだとか。脚本を練り上げる過程で、ヒントを求めて昔のホラーやサスペンス作品を観なおしていました。最近の映画はCGや特殊効果がすごいですよね。そこにお金はつぎ込めないし、逆に2、30年前の作品なのに今も愛されている映画って、必ず何か理由があると思ったからです。何が人を惹きつけるのか、何が人を怖がらせるのかと考えながら観ていった中の一本が『ミザリー』でした。登場人物が４人しかいないのに、最後まで緊張感で引っ張る演出がうまいんですね。これだ！と思いました。登場人物を極力絞って、場所も山荘というほぼ１カ所固定にする。それなら今の自分でも作れるんじゃないか。今回「みぽりん先生」を演じた垣尾麻美さんとは、一度、映像の仕事をご一緒したことがあって、いつか垣尾さんで何か撮ってみたいという気持ちもありましたから、それなら垣尾さん主演の日本版『ミザリー』にしようと決めました。

もう一つ、背中を押す出来事があって、実はクランクインの前日に離婚したんです。実際に映画を作ってみて痛感していますが、何が楽しくてこんなことをやっているんだというぐらいにお金にならない。自分の場合は、家族がいたら踏み切れていたかどうか疑問です。もう何も失うものがないし、守るものもない。崖っぷちに立たたされるという環境に動かされた面もあるかもしれません。

「期限は10日間。人を巻き込む以上、自己満足では終わらせられない」

――物語の要になる山荘ですが、ピンポイントに六甲山で探すのにはご苦労があったのではないですか。

松本：めちゃくちゃ大変でした。こんな素人が、それもホラー映画を作りますだなんて言って協力をあおいだところで怪しさしかなくて、頼む端から断られました。そのころちょうどTwitterを始めて、「六甲山で山荘を持っている方、貸してください」とつぶやいたら、反応してくださった方があって、快く貸し出してくださることになったんです。その方がちょっと変わった方で、ご自宅で鳥を100羽以上飼っておられるんですが、山荘は、そこから厳選した精鋭たちを代わる代わる連れていっては放し飼いにして遊ばせる場所だったんですよ。劇中に出てくるの鳥の置物などはその方の私物です。雰囲気がよかったのでそのまま使わせていただきました。実はその方、職業が看護師なんですよね。まさに『ミザリー』のアニー。一人でご挨拶に伺ったときは、このまま監禁されるんじゃないか…という妄想が働いてしまいました（笑）。実際はとても優しい方で、撮影が終わったあとスタッフ、キャスト一同をバーベキューに呼んでくれたり、神戸での上映中もずっと応援してくださったり。今もいい関係が続いています。いつかその山荘を含むロケ地ツアーをしてみたいと思っています。

撮影自体は、週１ペースで３カ月にわたって行い、実質10日間で撮り上げました。助監督も美術もいませんから、一人が何役もこなす大変な現場でした。それでも最初から追撮はせずに10日で撮りきるというルールを自分の中に設けていたんです。理由は二つあって、僕は園子温監督が大好きなんですが、園監督は『冷たい熱帯魚』を10日間で撮影したと聞き、あれほどの作品をたった10日間で撮れるのか。それなら自分も挑戦してみようと思ったのが一つ。もう一つは、自主映画にありがちだと思うんですが、広げるだけ広げて作品が完成しないという事態だけは、絶対に避けたかったんですね。人を巻き込む以上は、結局作品はできなかったけれども自分は納得している、満足だ、みたいなことにはしたくなかった。だから、10日間きっちりスケジュールを組んで、ここにかけられる予算はこれだけ、それ以上はやらないしできない、撮れたものを使う。ほとんどすべての場面を一発で決めました。そういうふうにしないと、いつまでたっても終わらない、完成しない気がしたんです。

――『ミザリー』の世界に地下アイドルの話を持ち込むという発想はどこから生まれたのでしょうか。

松本：脚本は、吉永君というスタッフと相談しながら書いていったんですが、日本版『ミザリー』を作るといっても、まったく同じようにやってしまったらただのリメイクですよね。設定を日本に置き換えたときに、何か独自の味を出せないかと考えて、アイドルはどうだろうねという話になりました。僕自身、アイドルのミュージックビデオや『がっこうぐらし！』に出演していたアイドルのインタビューを撮影したことがあって、彼女たちから“アイドル光と影”の両面を何となく聞いていたんですね。当時はちょうど、特に地下アイドルの悲惨な実態が明るみになり、社会に拡散されていたころでもありました。そんな中で起きた農業アイドル「愛の葉（えのは）Girls」の子が自殺してしまうという事件が決定打となりました。アイドルの世界で起こっていることを風刺として入れてみることにしたんです。その要素は、映画の冒頭や、みぽりん先生が契約書に半ば強引にサインさせたり、会話の中から「給料をもらっていないばかりか、レッスン代を事務所に払っている」といった事実が浮かび上がるという形で入れています。ただ、映画をごらんになった方からは、「みぽりん先生は真面目な常識人。（主人公の地下アイドル）ユカちゃんのほうがモンスターだ」という声もあって、なるほどなと思いました。僕は今、36歳なんですが、みぽりん先生とユカちゃん、どちらの気持ちもぎりぎりわかるんですね。両世代の感覚をうまくくみ取れたと思っています。観る人によって、どちらに感情移入してしまうのか、分かれるのかもしれません。そういう楽しみ方もしてもらいたいです。

「役者の持つ一番いい部分を最高の形に料理するのが監督の仕事」

――癖がありつつも、実際にいそうなキャラクターというのは、どのように作り上げていかれたのですか。

松本：キャラクターは、役者さん自身の性格を想像しながら作っていきました。何がこの人の魅力なのか、その魅力を生かすにはどうしたらいいかを考えて、ブラッシュアップしていった形です。役者さんには打ち合わせのときに何度か即興劇をやってもらい、そのときのリアクションをそのままキャラクターに反映させている部分もあります。極端な話、演技が下手な人でも、絶対にいいところがあると思うんですよ。その“下手さ”が生きるようにすればいい。その人が持つ一番いいところを最高の形に料理するのが監督である僕の仕事だと『みぽりん』であらためて思いました。だから、役者さんに合わせて設定も変えていきました。例えば、「カトパン」を演じた近藤君は、当初はマネジャー役予定でしたが、「アイドルおたく」でいけるかもとひらめいて、配置換えをしたんです。近藤君はそこからいろいろと研究して「実はアイドルおたくでしょ」と誰もが認める「プロおたく」として役づくりをしてきてくれたので、すごいなと感心しました。

――「某（なにがし）」という謎の役はどのようにして生まれたのですか。

松本：そうして、それぞれの役者さんをはめ込んでいったときに、６人が６人とも魅力的でいい感じにまとまってしまったんですね。もう一つスパイスを入れなければ、うまく流れ過ぎてしまう。そこで流れきらない何か引っかかりが欲しいと思いました。それが「某」です。演じたのはヘアメイク担当の怜さんという方ですが、実は明確な設定はありません。僕は、彼女にしか出せない凜としたたたずまいや美しさが画面のどこかに存在するだけで、ほかの役者さんに出せない何かを映画に付け加えてくれると感じたんです。思いきって話を振ってみたら、まんざら嫌でもなさそうだなとつけいる隙を感じて、これはワンチャンスあるぞと押しまくって「某」が誕生しました（笑）。

――役者の皆さんにお伺いします。キャラクターは皆さん自身の投影だということですが、実際に演じてみてどうでしたか。

垣尾麻美（以下、垣尾）：みぽりんが怒る場面で、普通に説教をする感じでやったら「全然怖くない、迫力がない」と言われてしまったんです。配役の露木さんから「全感情で笑ったり泣いたりしたらいいんじゃないか」とアドバイスをいただいて、ハイテンションで笑ったあとに怒るという演技をしてみたら、それでいきましょうということになりました。そのワンシーンだけかと思ったら、ほかのシーンでも笑ってくださいと言われ続け、途中から笑いのレパートリーがなくなってきてしまって。もっといろんな笑いを見せられたらよかったなというのが今も反省点としてあります。『ミザリー』のキャシー・ベイツってすごくかわいいところがあるんですよね。怒りのボルテージが上がりきったところはものすごく怖いんですが、ただ怖いだけじゃない、いじらしいところもあるんです。みぽりんも同じで、ただのテンションが変な怖い人ではなく、愛されたい哀しさも表現したいと思って演じました。

近藤知史（以下、近藤）：僕はアイドルファンではないんですが、アニメや漫画が好きで、自分の中には確実におたく気質はあると思っています。覚えていないんですが、３歳ぐらいのとき鉄道に夢中になって、子ども向けの本では飽き足らず、大人のマニアが読む鉄道模型雑誌を買ってもらっていたみたいです。そのマニア気質のベクトルをアイドルおたくのほうに向けた結果が「カトパン」です。「本物みたい」と言っていただけるサイリウムダンスも、監督から突然「来週オタ芸のシーンを撮るのでよろしく」と言われて、１週間でYouTubeに上がっているサイリウムダンスを見まくり、講座的な動画で自主練習をして仕上げたんですよ。実際にサイリウムダンスをしている友達にどれが一番見栄えのいいダンスかを聞いたところ、「サビで踊る『ロマンス』が一番映える、大きく見えるよ」と言われ、僕は運動神経がなくてダンスも苦手なんですが、その「ロマンス」だけは必死にマスターしました。どこまで撮影するかわからないので、Ａメロ、Ｂメロもひととおり踊れるように「ロザリオ」とか「サンダースネイク」も練習して備えました。サイリウムダンスを踊っている方って動きのキレが半端ないんです。アイドルファンの方に、こいつにわかだとか、練習足りてないとか思われてしまうんじゃないかと不安でした。だから、映画をごらんになったアイドルファンの方から「カトパンの言動はすごくリアリティあったよ。ダンスもよかった」と褒めていただいたときにはうれしかったですね。監督からは一つだけ注文があって、「ドラマに出てくるようなステレオタイプなおたくにはしないで。シャツインしたり、バンダナとか、そういうのはやめて」と言われました。僕が演じたのはいたって普通の人、でも、おたくなんですよ。実際のアイドルおたくの方ってそういう方が多いんじゃないかなと思います。

合田温子（以下、合田）：私には何も指示がありませんでした。みぽりん先生は急にキレ出すとか、ユカちゃんはのほほんとしていて、リナちゃんもカトパンもみんな濃いという面子の中で、私は、緩衝材じゃないけど、一人ぐらい普通のポジションの人がいないと映画がうるさくなると思って、あまり目立たないように演じていました。ある方が「あなたみたいなポジションが一番難しい。際立ってもいけないし、影が薄すぎてキャラクターとして成り立たなくてもダメ。そのバランスがうまくとれていた」と言ってくださったんですね。そのとおりできていたかは別にして、役柄の解釈としては間違っていなかったんだなと安心しました。

「最後の10分はマスターショットなし。あの場の熱量をそのまま伝えたかった」

――劇中のアイドルソングも含めて、音楽にはかなり凝っていますね。

松本：神戸はジャズの街。だから、オープニングにはエラ・フィッツジェラルドの歌をもってきました。彼女って20世紀を代表するトップ・ジャズ・ボーカリストだし、“完璧なロマンスの世界”を歌っているんですが、その人生は波瀾万丈だったんですよね。二度の離婚を経験し、糖尿病で目が見えなくなり、両足を切断して、最後は薬に溺れて死んじゃった。みぽりん先生は似ているところがあるんですよ。エンディングで流れるクラシックはベートーヴェン「第九交響曲」の第四楽章です。第四楽章って、第三楽章の否定から入るんですよね。「そうじゃない、純粋に歌うことを楽しみましょう」という歌詞。『みぽりん』も『ミザリー』をたどってきたけれども、「そうじゃない、純粋に映画を作ることを楽しみましょう」という思いを込めました。もう一つ、「第九」では「神様が現れたことを喜ぼう」という物語が歌われています。アイドルの語源ってラテン語の「偶像崇拝」から来ているんですよね。もともとは神や仏といった存在を像の形に模して崇拝するという意味なんです。その「神」たるアイドルが現れたことを喜ぼうという含みもあります。

――カメラワークにもこだわりを感じました。

松本：撮り方もかなり『ミザリー』を参考にしています。キャシー・ベイツはすごく小柄な女性ですが、怒りのスイッチが入った瞬間、20mmぐらいの広角レンズを使って、接写して撮ってあの迫力になっているんです。そのやり方がうまいなと思って、みぽりん先生にも同じ方法で迫りました。ただし、垣尾さんはキャシー・ベイツより小柄なので、もっと魚眼の、12mmレンズを使っています。それで生まれたのがあの映像です。シャッターを落とした撮り方は、クリストファー・ドイルのまねです。ちゃっかり好きなものを入れてしまいました。

もうちょっと引きの画があったらいいねと言われることもあるんですが、僕の中にとにかく接写したい欲があったんです。最初はきれいに撮ろうとしていたんですが、途中から違うなと思いました。画がきれいとかどうでもいい。役者さんがいい芝居をしていたら、どこから撮ってもいいシーンになることに気がついたんですね。最後の10分は、マスターショットがありません。何が起きているかわからない撮り方をしています。あの場の熱量をそのまま伝えたい。そのためには、近くで撮ったほうが伝わると思ったというのもあります。

――その「ラスト10分」ですが、「映画が壊れる」という宣伝文句どおり、まさに壊れましたね。

松本：よく映画への冒涜だと怒られます。映画は芸術だとか、映画は愛だとか言う人もいますが、僕は、何より役者さんの芝居と音楽と映像と全てが組み合わさったときに生まれるもの、それをぶっ壊しながらも、最後はすべてを圧倒する形で終わりたかったんです。実際、絶叫上映でも、ラスト10分はどんどん盛り上がっていきますが、あの場面のところにさしかかると、急に静かになるんです。そういうふうに人を圧倒する力が映像にはあると思っています。ただ一方で、僕は自分の中に冷めている部分もあって、しょせん映画でしょ、作りものでしょという感情もあります。客観性があったから、積み上げてきたものをある意味で台無しにするということができたのかもしれません。マネジャー役の合田さんが「バランスを取る役だと思って演じた」とおっしゃいましたが、確かにそうなんです。彼女がいなければ物語は進んでいかなかったんですが、そんな彼女も無事では終わらせたくなくて、それであんなふうになりました。それぞれのキャラクターに必ず一つ、見せ場を用意したかったんですね。『みぽりん』には僕の大好きな『ザ・フライ』のある場面を模して取り入れていますが、あんなに好きな映画なのに、話をあまり覚えていないんですよね。ただ、不思議とその一場面だけが強烈に記憶に刻まれている。『みぽりん』だって１年後には誰も話を覚えていないかもしれません。それでも、あの場面だけは覚えている、あれって何だったのかなと残る作品にしたいという思いが強くありました。

『ミザリー』のアニーって、最後がかわいそうなんですよ。観た方の感想も「ああいうサイコパスっているよね」というものが多くて、そんな終わり方は嫌だなと思いました。みぽりん先生をただのサイコパスで終わらせたくなかったんですよね。『危険な情事』という作品にはラストが二つあって、劇場公開されていないバージョンが僕は大好きなんです。格好いいエンディングだなと思いました。みぽりん先生にはその格好よさを受け継いでほしいという願いを込めてのあのラストです。実は、ちゃんとしたエンディングも用意していたんですよ。みぽりん先生があの場にいる全員を殺して終わり。でも、それでは予想の範囲を超えない、ごく普通の終わり方じゃないですか。吉永君には「念のためそのバージョンも撮っておこう。DVDにするときに、Ｗエンディングで好きなほうを選べますという形にもできるし」と言われましたが、逃げ道を残してはいけないという強い気持ちで、エンディングはあのバージョン一本勝負です。

「『ジャパニーズ・ロッキー・ホラー・ショーだ』劇場との一体感で生まれた“人力4DX”」

――「人力4DX」という上映スタイルが話題になっていますが、どのようにして生まれたのでしょうか。

合田：元町映画館での上映が決まったとき、映画館のほうから、最終日は応援上映にしませんかというご提案をいただきました。上映は１週間しかないのに、お客さんだけで盛り上がれるのかなと心配になって、出演者でフォローすることにしたんですね。最初は上映前に応援上映の注意点、声出しポイントの解説をする程度だったんですが、あるとき、スクリーンの横で垣尾さんがみぽりん先生の台詞に合わせて叫んだのがお客さんに大好評だったんです。

近藤：それを受けてカトパンも画面に合わせてサイリウムダンスをしたり、出演者がそれぞれ自分で考えて何かするようになったんですね。そのうち、映画への突っ込みをスクリーンに向かってではなく、その場にいる役者に投げかけてくるお客さんが出てきて、僕らもそれに対してレスポンスを返すということを繰り返していくなかで、そこにハマる人が出てきたんですよ。

松本：応援上映で有名な塚口サンサン劇場では、オープニングから観客の皆さんの叫ぶ声が大きくて映画の音声がかき消されてしまうという事態が起こりました。劇場のスタッフに音量を上げてくれるように頼んだところ、「このままのテンションは続かないでしょう」。ところが、テンションは下がるどころか上がる一方で、慌てて音量を上げてもらいました。最初に練習したときには、こうなることはまったく意図していませんでした。劇場との一体感で生まれてきたのが「人力4DX」です。「ジャパニーズ・ロッキー・ホラー・ショーだ」なんていうお言葉をいただいたり、応援上映しか来ないというか、関西から東京の応援上映に駆けつけてくれる方もいます。だからこそ、ゼロか100か、評価が極端に分かれる映画なんだと思っています。神戸新聞の記者の方からは、「クソ映画だと思っていたけれども、絶叫上映を観たら恐れ入りましたという気持ちになった。こういう映画だったのか」という感想をいただきました。池袋シネマ・ロサでも「人力4DX上映」を期間中合計３回行います。12月24日と30日、１月４日です。詳しくは『みぽりん』公式サイトか、シネマ・ロサさんのサイトでご確認ください。

――もともとカナザワ映画祭で観客賞をとり、神戸での上映となったわけですが、そこまでの盛り上がりをみせたのはなぜでしょうか。

松本：元町映画館での上映に際しては徹底してチラシ配りをしました。受け取ったが最後、劇場に拉致して監禁してやる！というぐらいの気持ちで配っていましたね。その日の上映時間ギリギリまで映画館の前に立って、通る人たちに片端から渡していきました。９月から11月まで続けて、10万枚刷ったチラシがほとんどなくなりました。100人に１人ぐらいは来てくれた計算でしょうか。帰りがけのサラリーマンがそのまま寄ってくれたこともありました。

チラシのデザインには賛否両論あります。実際、「気持ちが悪い」と受け取ってくれない人もいました。カフェに置いたら「お客さんからクレームが来た」と言われたこともあったし、別バージョンを作ってくれということで、一応用意もしました。でも、僕は絶対にこれでいきたかったし、宣伝自体初めてだから、加減がわからなかったんですよね。配ってみて、ああ、これはダメなんだなと初めてわかったというか。今だったら別のビジュアルにしたかもしれません。最初だから怖いもの知らず。お客さんの反応が読めないなかで作ったのが、逆によかったかもしれません。

「次も絶対に自主制作。インディーズでどこまでできるか、チャレンジしたい」

――１作目はある意味、変化球の作品でした。今後の展開、次回作についての構想はありますか。

松本：『みぽりん』は初上映以来ずっと一館一館の上映を大事にしてきました。イベントを開き、そのおかげで盛り上がったけれども、経済的にはまったく成り立っていないんです。今回の東京遠征にもお金がかかりましたし、僕は今、制作で生じた借金を抱えている状況です。そのことは神戸の週刊誌にも書かれてしまいました。このスタイルを続けていくのには無理があるので、関西での盛り上がりを受けて東京でも話題となり、各地から「うちでも上映したい」という手が挙がってくれるのが理想の展開です。東京での３週間の状況を見て今後を決めたいと思っています。配信という手もありますが、まずは劇場で観てほしいですね。

今回の東京遠征に出演者全員を連れてきたのは、この作品をステップにチャンスをつかんでもらいたいという気持ちがありました。何度も言うように、関西では映画に出演する機会を得ることは難しい。だからこそ、僕みたいな新人の自主制作映画への出演を快諾してくれ、労をいとわず全面的に協力してくれたのでしょうから。僕なりの感謝の気持ちをあらわしたいと思いました。カトパン役の近藤さんは、次回作が決まって撮影も終わり、間もなく公開されると聞いています。

近藤：神戸のお寺の住職で“破戒僧”といわれた故・平井尊士さんを描いた『真言アイロニー』という作品です。海外映画祭への出品は決まっていますが、国内上映は今のところ１月18日（土）の完成披露試写会のみです。

松本：次にやりたい企画はたくさんあります。まずは『みぽりん』でつくった借金を返して、それが２年後、３年後になろうとも、次も絶対に自主制作で撮ります。神戸に根づいた作品を、自分の表現を守りながら作っていきたい。東京に出てきて商業映画を撮りたいとか、監督として売り出したいとか、配給についてもらいたいという気持ちには一切ないんですよ。お金を出してもらう代わりにあれこれと口を出されるぐらいなら、借金してでも自分の作りたいものだけを作りたいです。そのためには、何とかしてお金を回すサイクルをつくらなければならないと考えています。インディーズでどこまでできるか、チャレンジしたいんです。同時に、映画にかかわりたい人が映画で食べていける状況をつくりたいとも思っています。関西の現場には、造形、小道具、何をやるにしてもプロが足りないんです。映画を作り続けることによって人を育てたいです。松本組じゃないですけど、そんなふうにスタッフを組んで、安定して作品を作り続けていけるようにしたいです。

［聞き手・文：TOMOMEKEN］

『みぽりん』
12月21日（土）池袋シネマ・ロサで３週間限定公開中（１月10日（金）まで）
１月10日（金）より川崎チネチッタにて上映決定

監督・脚本・撮影：松本大樹
CAST／役
垣尾麻美／みほ（ボイストレーナー役）
津田晴香／神田優花（アイドル）役
井上裕樹／秋山快（プロデューサー）役
mayu/木下里奈（アイドル）役
合田温子／相川梢（マネージャー）役
近藤知史／加藤淳（アイドルファン）役

企画・製作・配給：合同会社CROCO
2019/108min/日本/16:9/ステレオ

作品公式サイト：https://crocofilm-miporin.com/
池袋シネマ・ロサ：http://www.cinemarosa.net/

(C)CROCO

キラキラ“壁ドン”映画の撮影現場が阿鼻叫喚の地獄絵図に姿を変えるホラーコメディー映画『ゴーストマスター』。

12月6日の公開以来、快進撃を続ける本作は、2020年2月に開催されるポルト国際映画祭コンペティション部門・OFFICIAL FANTASY SECTIONに選出、上映が決まった。これで世界三大ファンタスティック映画祭（シッチェス、ブリュッセル、ポルト）を全て制覇することとなり、日本の新人監督としては異例の快挙をなし遂げた。年明けには台湾での上映も決定している。

観る者に「究極の映画愛」を突きつけると話題の本作に込められた監督の思いとは？　ジャンル映画の枠を超えてあふれ出す監督自身の映画への愛と憎しみ、「野望」について語ってもらった。

＜あらすじ＞
とある“壁ドン”映画の撮影現場で、監督やスタッフからこき使われる、助監督・黒沢明。名前だけは“巨匠”で“一流”だが、断れない性格で要領の悪い、B級ホラーを愛するただの気弱な映画オタクだ。いつか自分が監督として撮ることを夢見て、書き温めていた脚本「ゴーストマスター」が心の支えで、常に肌身離さずに持ち歩いていた。しかし、あまりに過酷すぎる撮影現場でうっ積した黒沢の不満と怨念のような映画愛がこの“脚本”に悪霊を宿し、撮影現場 を阿鼻叫喚の地獄へと変えていく……

究極の映画愛みなぎる現場が生んだモンスター『ゴーストマスター』

――80年代映画好きには懐かしい響きのタイトルの由来はなんでしょうか。

もともとは『ゴーストマスターズ』でした。サブタイトルも超Ｂ級映画っぽくつけていて、「呪いのビデオができるまで」。ホラー映画を撮っている人たちの話だったんですよ。「ゴーストを自在に操る人」を集めた映画なら「ゴーストマスターズ」だなということで、84年の映画『ゴーストバスターズ』に引っかけたようなＢ級感につられて軽い気持ちで入ると、予想もしないものが待ち構えているという仕掛けです。いい意味での裏切りから驚きを生みたかったんですよ。だから、「えっ？」と聞き返したくなるようなタイトルにしました。ただ、企画を進めていく中で、ゴーストマスターたちの話ではなくなっていき、「ゴーストマスター」が劇中劇の脚本のタイトルになるという変遷はありました。

――ご自身にも予想外の展開となったわけですね。

脚本を20稿も重ねましたのでね。自分の書き上げた初稿に脚本家の楠本さんが合流して、アイデアを出し合うなかで成長していったというか、とんでもないモンスターを生み出してしまいました。

「自分が理想とする現場は、台本を自由に膨らませられる場」

――撮影は短期間で行われたと伺いました。

６月の熱海で２週間、苦労しかなかったです（笑）。撮影期間に対してやることが山盛りてんこ盛りの映画だったんですよね。特殊造形はあるわ、CGはあるわ、アクションはあるわ、時間とお金がかかって当たり前の要素がたくさん入っている台本だったので、それを限られた予算とスケジュールに落とし込んでいくのがまず大変でした。現場では文字どおり「駆け足」で、こっちが終わるとダッシュであっちに向かって一日が終わる。そんなギリギリの状況でも、スタッフや出演者たちが自分の考えていた以上の力を発揮してくれたので、「短期間でなんとか成立させました」以上のものになったと思います。
撮影は２週間ずっと同じ廃校で行いました。ある意味、合宿状態なんですよね。みんなだんだんハイになってくる。その現場のノリや雰囲気は映画にかなり反映されていると思います。

――フィクションでありながらライブ感を覚える理由はそこにあったんですね。

自分が理想とする現場は、台本を自由に膨らませられる場なんです。役者もスタッフも、そこにいる全員が、書いてあるとおりにやる、ではなくて、こんな解釈をしたらさらに面白くなるんじゃないかと意見を出し合えるのが一番豊かな気がします。映画って、監督が一応、役割として表に出るんですけど、正直、監督のイメージだけでできているものじゃなくて、現場でのキャッチボールのなかで完成していく部分があると思うんですね。僕自身、撮影しながら発見していくことももちろんあります。ときには思いも寄らない球が返ってきて驚かされ、そこからまた新しいものが生まれたり。そうして自分の予想を超えるものがどんどん増えていったときに、それをいかに集めてどう形に残すかが重要だと思っています。
本作も、自分の最初のイメージからはどんどん変わっていったところがたくさんあって、それが本当によかったです。自分の思ったとおりにできてしまうと、結局、それ以上にもそれ以下にもならないんですよね。自分の中の根っこというかな。コアの部分だけはぶらさずに、そこからはみ出ない描写をもっと広げていくことができたら最高です。その意味で、本作の現場は幸せな場所だったと思います。よいスタッフ、よいキャストに恵まれました。

――キャストといえば、ホラーのイメージがない三浦貴大さんの起用には驚きました。

確かに三浦さんの今までのイメージとはまったく違う役どころですよね。三浦さんのことは前から存じ上げていて、僕が「黒沢明」を演じる三浦さんを見てみたかったんです。だから、引き受けてくださったときはすごくうれしかったし、現場で起こるであろう化学反応を期待して胸が躍りました。実際にすごかったですよ。プロフェッショナルとして持ってくるものが圧倒されるほど面白くて、撮影しながら、僕の書いたものがこういう演技になるんだ、こういう出方になるんだとひたすら感動していました。

――そのほかの登場人物たちもクセのある者ぞろいですが、現場での「膨らませ」の部分もあったのでしょうか。

実はモデルがいます！もちろん一部、誇張して描いていますが、超ドキュメンタリー、リアルなところもあります。僕もある低予算映画の現場にいたことがあって、そこでクレイジーな人たちをたくさん目撃したんです。なんだこれ、面白すぎるだろう！という、その破天荒さを映画にしたら、とんでもない作品になるんじゃないかと思ったんですね。ただし、ネタとして笑って消費して終わりではなく、その人がクレイジーになってしまうまでの過程というか、バックグラウンドまでも取り込んで描きたかったんです。

「もう未来ないじゃん！という危機感を形にしたかった」

――それはなぜでしょうか。

映画の現場って、やりがいだけで成立しちゃっているところが少なくないんですよ。勤務時間や待遇を考えると、職場としてはブラック過ぎて完全にアウトです。映画が好きな人たちが身をすり減らしてなんとか支えている。それではもたないです。事実、現場には若いスタッフが足らなくて、人の取り合いが起きています。業界に人が来なくなってしまったんですよね。人口が減っているっていうのも一因としてあると思いますが、それならなおさら、職場としてちゃんとしないと、もっと人を大切にしないと駄目だ。極端な話、べつに映画が特別に好きでないという人でも普通に働ける職場にしないと、もう未来ないじゃん！という危機感を抱いています。その思いを形にしたかったというのが、そもそもの始まりなんです。

――日本映画界に向けての警鐘が込められているということですね。

とはいえ、僕自身、この現場に対しては反省があります。スタッフ、キャストみんなが頑張ってくれ「過ぎた」んです。与えられた予算やスケジュールにはとても見合わないほどの熱量でぶつかってきてくれた彼らに、僕はどこかで歯止めをかけなければいけなかったかもしれない。そもそも向こうが持ってくるものも、僕が暗に要求していたところもあったんじゃないか。そこのせめぎ合いというのはすごく難しいですね。無理はさせたくない思いがある一方で、一体となった現場から生まれるシナジーの力に魅せられてしまった。すべてのシステムをいきなり変えることはできませんが、監督という立場でできることはあると考えています。自分の現場レベルで、小さくてもいいから変革を起こしていくのが課題です。

「『意図せずとも目立ってしまう息苦しさ』を救ってくれたのは『笑い』だった」

――映画のなかに垣間見えるユーモアはどこからきているのでしょう。

子ども時代の体験が影響しているかもしれません。僕の子ども時代ですか？　くりくりした可愛い子どもでした（笑）。僕は栃木県の益子町出身で、父親はアメリカ人なんですが、陶芸家だったんですよね。そういう家に生まれ育って、地元の公立の学校に通うという日々を送っていました。文化的要素とは無縁で、木登りをしたり、その辺を駆け回ったりの山育ちです。
今でも鮮明に覚えているのが、小学校１年生の初登校の日、学校の門をくぐったら、いきなり校舎の２階から「ガイジンが来たぞ」って声が飛んできたんです。「えーっ！初日から？」とげんなりしました（笑）。中学校のときは、隣町の中学校の全然知らないやつに、いきなり「ヤング・ポールだ！」と指をさされて、「おまえ、誰だよ！」みたいな（笑）。田舎の本当に小さな町だったから、自分が意図せずとも目立ってしまう息苦しさがありました。かといって、わかりやすくグレると、「あいつグレたな」みたいにいじられるのは目に見えているし（笑）。なんだよ、グレるにグレられないじゃないか、みたいな大変さはあったかな。
そんな状況を救ってくれたのが、ユーモアだったんですよ。向こうがいじめというか、からかうような感じできたときに、真面目に正面からぶつかることはせずに、笑いではぐらかしていました。自分を笑い者にするいわゆる自虐ネタとか、誰かをおとしめてとるような笑いではなくて、その場にいる人間を楽しませることで自分の立ち位置を確立しようとしていた記憶はあります。この映画を観てくれた地元の友達から、「きみらしい映画だね」と言われたんです。彼いわく、ユーモアの感覚が僕らしいということのようです。あの当時の僕の心情をちゃんとわかってもらえていたんだなという軽い驚きとうれしさとがありました。

「人のおかしみと本気が同時に存在する状況を描くのにはホラーが最適」

――初長編作でホラーというジャンルを選ばれたのはなぜですか。

ホラー映画って、撮影現場でやっていることはバカみたいなことも多いんですが、完成したものは怖い。その距離感とジャンプの仕方はとても映画的だと思うし、そもそもホラー映画自体が好きなんですよね。本作について言うと、命の危機に瀕した人たちがとる本気の行動のおかしさみたいなものを描きたかったというのもあります。はだしでドラ猫を追いかけるサザエさんを、引き画で撮ると面白さがまず来ますが、アップで撮ると今度は鬼気迫って見えると思うんです。サザエさん自体に必死さがある一方、その状況そのものを引いて見るとこっけいである。ホラーって、人のおかしみと本気を同時が存在するシチュエーションをつくりだすのに最適だと思うんです。映画の過酷な撮影現場にいる人々の悲喜の両方を描けるんじゃないかなと思って、ホラーという設定で考えてみることにしました。

――ホラー映画はいつごろからご覧になっていましたか。

ホラー映画を観たぞという一番古い記憶は、高校１年のときなんですよね。友達がレンタルビデオ屋でジャケットだけで選んだ３本をまとめて観ようと言いだしたんです。３本中２本は覚えています。１本がサム・ライミ監督の『死霊のはらわた』で、もう１本がピーター・ジャクソン監督の『ブレイン・デッド』。両方過剰じゃないですか。非常に印象に残っていますね。特に『ブレイン・デッド』で、ゾンビであふれかえる家に主人公のライオネルが草刈り機をブーンと振り回しながら「パーティは終わりだ！」と乗り込んでいく。あのセリフにはもう本当に打たれましたね。そのあと、血で滑って逃げられないとか、バカじゃないのっていう笑いがやってくるところも衝撃だったんです。自分がホラー映画に対して抱いていた、ただ怖いだけとか、人の死体が好きな人たちの見るマニアックなものというイメージとかなり違ったんですね。あっ、こんな世界があるんだという気づきを得たのがこの二作でした。

――そこから映画の作り手になろうという気持ちが芽生えていったのでしょうか。

実は、映画を作る人になろうと思ったきっかけは、池袋の新文芸坐なんですよ。ほぼ日替わりで二本立てのプログラムじゃないですか。東京に出てきてから新文芸坐で浴びるように映画を観て、映画って本当に面白いなあとあらためて思ったんです。さらに大きなきっかけになったのは、そのなかの特集で観た中島貞夫監督の『893愚連隊』や『脱獄広島殺人囚』、『懲役太郎 まむしの兄弟』といったやくざ映画でした。中島監督って1960年代後半から70年代にかけて50本の映画を撮ったプログラムピクチャーの巨匠なんですが、あのころのプログラムピクチャーって、技術もスタッフもレベルが高いし、演出も素晴らしいんですよね。かつ、脚本としても深みがあってグッと来てしまうものが描かれている。やくざ映画なんて、古くさくて暴力的で、安っぽいんでしょと思っていたら、全然違いました。商業性とある種の芸術性の、高いレベルでの融合というのを、いわゆる芸術映画ではなくてプログラムピクチャーの中でできてしまう。映画ってなんてすごいんだ！とその懐の深さを感じさせられたのは、中島監督の作品でした。あの出会いは大きかったと思います。
ちなみに、20歳の誕生日を迎えたのも新文芸坐だったんですよ。「クレヨンしんちゃんオールナイト」を観ている最中に成人になりました（笑）。新文芸坐は今でもよく行く映画館の一つです。

「映画愛とは『呪い』。一度味わってしまうと逃れられない呪縛」

――本作には『スペース・ヴァンパイア』だけでなく、80年代ホラー映画の要素がたくさん見てとれますね。

理由は二つあって、一つは、主人公の黒沢明というキャラクターは、80年代ホラーが大好きな男という設定なんですね。その彼の書いた80年代ホラーへオマージュを捧げる脚本が、キラキラ映画の世界を乗っ取っていく。だから、そこで起きる出来事はおのずと黒沢の台本から影響されたもの、つまり80年代ホラーを連想させるものであるという物語の必然がありました。
もう一つ、質感をともなった表現をしたいという思いもありました。これは自分の映画的な趣味なんですが、CGもリアルにすればするほど透明になっていくというか、CGであることがわからなくなっていきますよね。そうではなく、CGも使うのなら味わいのあるCG、質感のあるCG、そこに情感があるCGにしたかったんです。造形物に関しても、ギリギリのところで人が作った手触りを残したかったんですよね。やはり80年代の映画って、今観ても面白いと思えるのは、人が作ったモノ感があるからだと思うんです。僕はそういう感覚が好きなので、そこにこだわりたかった。実際にモノのある現場って面白いですよ。CGだと結局、それこそグリーンバックじゃないですけど、役者さんもスタッフも、撮った画がどうなるかの最終形を明確に把握できないまま撮影を進めていく部分が大きい。ただ、モノがあると、これはこういうものなんだなという納得のもと進んでいくので、役者さんの反応が全然違うんです。
　
――謎かけのようなラストシーンには監督のどんな思いが込められているのでしょうか。

ラストシーンは、こういう意味だという限定はせず、オープンエンドにしたいと考えていました。宣伝では「究極の映画愛」といっていますが、僕個人としては「映画への愛憎」だと思っています。それは自分の映画に対する思いと同様で、黒と白が混ざり合っている状態。その間を行ったり来たりするカオスなんです。だから、ラストも純粋なハッピーエンドでもなく、純粋なバッドエンドでもなく、観る人によって捉え方が違ってもいいし、僕のなかの混沌、愛憎をそのままぶつけたいと思ったんです。あまり断言するようなものにしないほうが誠実な気がしたんですよね。それでああいう形になりました。成海さんにも、僕の意図は伝えましたが、彼女なりの解釈で演じてほしいと付け加えました。あの場面で現れる成海さんの表情や仕草はぜひスクリーンで体感してもらいたいです。

――監督にとっての「映画愛」とは何ですか。

映画愛とは、「呪い」ですね。愛しちゃっているから離れられないし、愛しちゃっているから、愛があり余って憎しみになる。愛って、愛した瞬間にある意味、負けという気がするんですよ。服従じゃないですけど。自分も、大変な現場が続いていたとき、まちを歩いていて偶然会った友達に「今って何の仕事しているの」なんて聞かれて、向こうは深い意味もなく挨拶代わりに聞いただけなんでしょうけど、ものすごく刺さってしまって、「俺ってこの先どうなるんだろう。本当にこのままでいいのかな」という不安に駆られたことがありました。それでも、やっぱりやめられなかったんですよね。映画が面白いなと思ってしまったから。「思っている」じゃなくて「思ってしまった」なんです。意図せずのめり込んでしまい、抜け出せない。映画をつくっているときの圧倒的な喜びって、一度味わってしまうと逃げられないんですよ。そこも含めて愛している。もう完全に呪縛ですよね。

――次回作についてのイメージはお持ちですか。

やりたい企画がいろいろありますが、そのときに撮れる映画を撮っていくというのが僕の信条です。尊敬する中島監督は、作家性と商業性の間で格闘しながら作品を生み出しています。その格闘の仕方が格好いいんですよ。僕もいい意味であがきながら、もがき苦しみながら作品を作り上げていきたいです。もちろんホラーは好きなジャンルだし、挑戦しがいもあるので、また作りたいですね。

［聞き手・文：TOMOMEKEN］

『ゴーストマスター』
１２月６日（金）新宿シネマカリテほか全国順次ロードショー
監督：ヤング ポール　脚本：楠野一郎　ヤング ポール　
配給：S・D・P　

(C)2019「ゴーストマスター」製作委員会　　

悪魔の毒毒モンスター、東京（と大阪）へ行く！

トロマ・エンターテインメントの傑作カルト映画『悪魔の毒々モンスター』をオフ・ブロードウェイでミュージカル化した『The Toxic Avenger:The Musical』が、『悪魔の毒毒モンスター』のタイトルで日本上演決定。つ、ついに来てしまう……！

ロイド・カウフマンが監督した映画『悪魔の毒々モンスター』は、ひ弱ないじめられっ子メルビンくんがドロドロ有毒廃棄物を全身に浴びて、正義の心と怪力とモップを持ったモンスターに変貌し、悪い奴らから街を救う勧善懲悪スプラッターコメディ。

ミュージカル版は、2010年のトニー賞で作品賞を受賞した『メンフィス』の脚本家ジョー・ディピエトロと、音楽を担当したデヴィッド・ブライアンのコンビが、渾身のロック・ミュージカルとして2009年にオフ・ブロードウェイで舞台化したもの。その後も全米ツアー、ヨーロッパと各地で上演され、あらゆるところで観客を爆笑の渦に巻き込んだという。

ミュージカルでのメルビン／毒毒モンスター役は、ジャニーズ事務所所属のアイドルグループ“ふぉ～ゆ～”の福田悠太さん、毒毒モンスターと恋に落ちる盲目のヒロイン・サラを、モデル・舞台俳優として活躍する中別府葵さんが演じる。映画版は観てしまったのかどうかがちょっと気になる。

上演は、東京会場で2020年3月、大阪会場で4月に予定されている。チケットの発売は1月から。

概要

オフ・ブロードウェイ・ミュージカル『悪魔の毒毒モンスター』
公式サイト : https://www.dokdok.jp
￥10,500（全席指定・税込）
＜東京＞
2020年3月13日（月）～3月22日（日）
よみうり大手町ホール
＜大阪＞
2020年4月3日（金）～4月5日（日）
会場：松下ＩＭＰホール

東京国際ファンタスティック映画祭’93などのイベントで上映されたきり、日本では一般劇場公開やソフト化はされておらず、「封印作品」「発禁」と噂されていた『ミュータント・フリークス』(1993)がついに日本版ブルーレイリリース決定。

怪しげなショーを売りにするフリークランドに隠された、口で説明するのもはばかられる“罰当たりな秘密”を描く本作。頭が靴下の“靴下マン”、顔面が巨大な鼻の“鼻男”などなど、アクの強すぎるミュータントたちが大暴れ！

体の半分がモンスターの主人公リッキーを演じているのは、キアヌ・リーヴスとタッグを組んだ『ビルとテッド』シリーズで人気を博したアレックス・ウィンター。相棒のキアヌ・リーブスも特殊メイクで本作に出演しています（ノンクレジット）。ブルーレイジャケットの中にいますよ。探してみてね！

観たことのない人も多いであろう本作ですが、初めての方も是非チェックを。“ミミズ人間”のルックスは『Mr.タスク』好きにはグッと来ますし、右目と左目のコンビ“アイ＆アイ”が可愛いルックスで葉巻をくゆらせ銃をぶっ放す様もたまらない。Mr.T演じるヒゲの生えた巨体の女性は「This is me」という台詞があり、大ヒット映画『グレイテスト・ショーマン』の元ネタであろうと思われます。個人的な見解ですが『ムカデ人間』のとあるシーンに影響を与えたのでは？と思われるシーンも。魅力いっぱいのキャラクターや、数々の映画への影響もさることながら、ギャグの怒涛の詰め込みっぷりも必見です。

日本版ブルーレイの特典として、映画評論家・町山智浩さんによる徹底解説と、本作の特殊メイクを担当したスクリーミング・マッド・ジョージさんのインタビューを収録した解説書を封入。初回版にはステッカーとポストカードの限定特典付き。2021年5月30日までの完全期間限定生産商品だそうなので、欲しい方はお買い逃しのないように。

『ミュータント・フリークス』
2019年7月26日（金）Blu-ray発売
発売・販売元：マクザム

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